Al realizar alguna obra, invento, diseño, música, planos o cualquier actividad que esté relacionada con tu bien intelectual (mente), están regidas a la propiedad intelectual, lo cual quiere decir que existen leyes que protegen tus creaciones.

Por lo cual la ley del copyright protege todo lo que realices y no autorices su distribución.

¿Cómo o por qué?, simple, estos protegen a los artistas de que otros no utilicen o se beneficien a costa de productos o servicios que no son suyos. Por tal, si se viola este reglamento el artista es libre de enjuiciar por la vía legal al agresor.

Si no lo crees, te contamos que varios artistas resaltantes de la música lo han pasado; como la reina del pop Madonna, The Beach Boys, Led Zepellin, entre otros. Por el simple hecho robar canciones.

Pero tal como lo mencionamos líneas arriba, eso sucede en todo tipo de rama artística, como en la creación de logotipos e imagen comercial, al igual que la fotografía y las ilustraciones, las cuales no se quedan atrás. También, ocupan un puesto en las categorías más robadas, por ello es importante que si te dedicas a esta rama, sepas cuáles son tus derechos como creador de arte, pero también el de tus colegas.

Propiedad de derechos de autor

Fuente: Google

Los fotógrafos, ilustradores o cineastas, no deben vender su trabajo, lo que deben realizan es darle su trabajo a terceros para que lo utilicen bajo ciertos términos y condiciones. Los cuales son acordadas por las partes.

Esto quiere decir que tú eres el creador, más no propietario de los derechos de autor, el cual otorga ciertos beneficios de reproducción, venta y poner en marcha la licencia de la obra original.

Por ello, debes de tener en claro que si no eres titular de éstos, no podrás licenciar el contenido a través de una agencia de acciones.

La propiedad no significa propiedad de derecho de autor

Ya en este punto tienes que tener en claro que hay una gran diferencia entre la propiedad el propietario y derecho de autor propietario. Parece que es lo mismo, pero no.

El propietario es la persona que adquirió el arte (físicamente), mientras que el creador es el que tiene el copyright (así lo haya vendido o negociado). Suena complicado, pero es fácil.

Te damos un ejemplo para que tengas una mejor idea:

Por ejemplo, tienes físicamente un Porshe Speedster del 56, el cual es tuyo , mientras que la compañía Grupo Volkswagen (la empresa creadora) es propietario de los derechos de autor, al igual que su diseño automotriz, el cual vendría a ser su derecho intelectual.

Por ello, las imágenes en la que los autos Porshe son el foco principal están restringidas y no se pueden licenciar de forma comercial, ya que se violarían los derechos del Grupo Volkswagen.

Fuente: Google

Como esta imagen que es aceptable para fines comerciales y no infringe ninguna violación. Eso es debido a que es una imagen común, no infringe violación de propiedad intelectual y los accesorios como la motocicleta son comunes, quiere decir que no tienen marcas.

Derivados de obras que vulneran la propiedad intelectual

Por más que haya obras o trabajos que te inspiran para crear nuevas, o guiarte de ellas, sigue siendo un delito. Aunque las ilustraciones o fotografías hechas, inspiradas en otras artistas (siempre y cuando no sean copia exactas), pueden ser comercializadas. 

Como esta ilustración, que es muy conocida y tiene varias imágenes que derivan de ella.

Fuente: Google

Las versiones se requieren del creador, no del propietario

Quiere decir que si hay una obra que está en una fotografía, esta debe ir acompañada de un comentario de propiedad de arte del creador de la obra.

¿Qué es?, es un documento en el cual se da autorización al fotógrafo para que tenga una licencia comercial de la foto que divulga su obra de arte.

Lo mismo sucede cuando quieres crear un collage, para ello debes ser titular de todos los derechos de autor, de todos los elementos dentros de él.  Si no es así, es importante que tenga la autorización de la persona que creó la fotografía, clip o ilustración.

Fuente: Google

Algunas marcas, productos y servicios que están bajo la ley del derecho de autor:

• Cubo Rubik
• Edificio Empire State
• Adidas
• Bluetooth
• Botox
• Coca-Cola
• Disney
• DVD (logo)
• Escudo Harvard Veritas
• I love NY (I ♥ NY)
• Entre otros productos de las categorías: marcas, eventos, objetos, temas, lugares, monumentos, lugares de interés, entre otros más.

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Ya que muchos de ellos son autodidactas y no han recibido ningún tipo de técnica o estilo, solo tienen su arte como principal herramienta.

Si tú eres uno de ellos, que a través de tus dibujos despiertas sensaciones, pero quieres perfeccionarte y saber alguna que otra técnica, tienes que seguir leyendo este artículo.

Los mejores 10 libros que todo dibujante definitivamente debe tener

1. Bloque Creativo, de Danielle Krysa

El libro de Danielle recopila la historia de 50 artistas que cuentan cómo superaron el bloqueo creativo, que todo artista tiene, y volver a tener esa inspiración fresca y actual.

Está graficado con diversas imágenes, para darle un sentido más dinámico a tu lectura.

2. Arte y miedo, de los mejores libros de dibujo artístico de David Bayles y Ted Orland

Arte y miedo es perfecto si eres uno de esos dibujantes introvertidos, que realizan grandes cosas, pero siempre cree que no es suficiente.

Aquí encontrarás la seguridad para dejar tus miedos atrás y que al terminar cada obra sepas que es perfecta e inigualable.

3. Arte/ Trabajo, de Heather Darcy

Cuando se comienza una carrera y esta va dando frutos, se ve reflejado en cuanto la gente aprecia tu trabajo y quiere ayudarte a crecer.

Este libro te ayudó con todo lo que es contratos, documentación, galerías y ventas; todo para que sepas administrar y ganas lo justo por tu trabajo.

4. El arte de dibujar animales, de Ken Hultgren

Te guiará por toda la anatomía de los animales, para que los retrates tal cual y son todas sus partes.

Te enseñará a dibujar desde las orejas hasta las patas. Perfecto si eres un principiante, en cuanto a animales se refiere.

5. Dibujo figura, de Michael Hampton, uno de los mejores libros de dibujo artístico

Lo mejor para dibujar a personas a través de figuras. Te simplifica todo, haciendo que esta técnica (considerada sumamente difícil para muchos dibujantes) sea la más fácil del mundo.

6. Color y Luz, de James Gurney

Más que un simple texto, es una guía para pintores y dibujantes de estilo realista.

En el cual se explica el uso de colores que deben tener tus bocetos, de acuerdo a la categoría que pertenezcan. Definitivamente, un libro que todos deben tener.

7. Perspective Made Easy, de Ernest R. Norling, uno de los mejores libros de dibujo artístico

Si quieres incursionar en el estilo de la perspectiva, este libro es para ti.

Está hecho para principiantes, donde indica las reglas básicas y los principales trucos para que los dibujos salgan a la perfección.

8. El color, de Betty Edwards

El color es de la misma autora de” Dibujar con el lado derecho del cerebro” (Si no sabes de qué hablo te dejo un link para que sepas de qué trata). Quiere decir que este es otro éxito rotundo.

A diferencia del libro anterior, aquí aprenderás a dominar la combinación de los colores, mediante técnicas que imparte la Doctora Edwards en sus talleres. En las cuales encontrarás ejercicios ilustrados para que tengas un óptimo aprendizaje.

Está hecho para que los pintores y dibujantes se den cuenta de que la luz realmente afecta la visualización de los colores.

9. El Retrato, de Giovanni Civardi, uno de los mejores libros para dibujantes

Su nombre lo dice, te enseña a dibujar retratos (rostros y figuras). Para que puedas reflejar los rasgos de los rostros a la perfección.

10. Dream Worlds, de Hans Bacher, uno de los mejores libros de dibujo artístico

Y finalmente, tenemos a Dream Worlds, el cual es utilizado por dibujantes del siglo XXI y con la tecnología en sus manos.

En él encontrarás cómo se realiza la preproducción, en cuanto a animación e ilustración.

Pero no todo queda ahí, va más allá del diseño gráfico. Te da tips sobre la composición del arte, cómo aterrizar tus ideas y crear guiones gráficos y de colores.

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Según la APA (Asociación Americana de Psiquiatría) los trastornos mentales son enfermedades que implican cambios en el pensamiento, la emoción o el comportamiento (podría ser el conjunto o combinación de todos). Por lo cual, las enfermedades mentales se asocian con la angustia o problemas entorno a actividades sociales, laborales o familiares.

Cuando hablamos de actividades sociales, se refiere a la interacción (por fotos, chats o video llamadas) entre el individuo y lo que le rodea; ya sea la escuela, familia, amistades o entorno cibernético. En este caso, podría ser las redes sociales o alguna comunidad en línea.

Selfiits: tomar muchas selfies produce trastorno mental

Este trastorno mental pro tomar muchas selfies se divide en tres tipos, para diferenciar en qué estado se encuentran los individuos.

• Selfitis límite: Cuando el individuo se toma fotos por lo menos 3 veces al día, pero no las publica.
• Autismo agudo: El individuo toma fotos de él mismo, por lo menos 3 veces al día y publica cada una en redes sociales.
• Autismo crónico: El más crítico de todos. El individuo se toma fotos de él mismo, durante todo el día y las publica (más de 6 veces al día).

Escala de conducta de autismo

Te compartimos la escala de conducta de Autismo (SIS), la cual se creó y aplicó a 225 estudiantes, de escuelas de la India. Este ha sido usado para clasificar la autoestima de aquellas personas que constantemente se toman autofotos. Además de verificar si aquellos que se toman muchas selfies se encontraban dentro de este tipo de trastorno mental.

Primer Factor: Mejora Ambiental

1.1 Tomar selfies me da una buena sensación para disfrutar mejor de mi entorno.

1.2 Puedo expresarme más en mi entorno a través de ellos.

1.3 Tomarlos me proporciona mejores recuerdos sobre la ocasión y la experiencia.

1.4 Los tomo como trofeos para memorias futuras.

Segundo Factor: Competencia Social

2.1 Compartirlos crea una sana competencia con mis amigos y colegas.

2.2 Tomar diferentes poses de autofoto ayuda a aumentar mi estatus social.

2.3 Publico autorretratos frecuentes para obtener más “me gusta” y comentarios en las redes sociales.

2.4 Utilizo herramientas de edición de fotos para mejorar mi autorretrato y así se vea mejor que otros.

Tercer Factor: Búsqueda de atención

3.1 Gano enorme atención compartiendo mis autorretratos en las redes. 

3.2 Me siento más popular cuando los publico en las redes sociales.

3.3 Al publicar autofotos, espero que mis amigos la evalúen.

Cuarto Factor: Modificación del Estado de Ánimo

4.1 Soy capaz de reducir mi nivel de estrés tomándome fotos.

4.2 Tomar más autorretratos mejora mi estado de ánimo y me hace sentir feliz.

4.3 Tomarlas  instantáneamente modifica mi estado de ánimo.

Quinto Factor: Confianza en uno mismo

5.1 Me siento seguro cuando me tomo una foto.

5.2 Soy más positivo conmigo mismo cuando tomo autorretratos.

5.3 Me los tomo y los veo en privado para aumentar mi confianza.

Sexto Factor: Conformidad Subjetiva

6.1 Obtengo más aceptación entre mi grupo de pares cuando tomo un autorretrato y lo comparto.

6.2 Me convierto en un miembro fuerte de mi grupo de amigos.

6.3 Cuando no me tomo autofotos, me siento separado de mi grupo de compañeros.

Los resultados sobre este estudio trastorno mental a causa de las selfies fueron los siguientes:

El 34% se encontraba en el límite, el 40,5% eran agudos y el 25,5% fueron crónicos. Pero eso no es todo, el 57,5 % de estos resultados fueron hombres y el 42,5% fueron mujeres. Mientras que sus edades oscilaban entre 16 a 20 años, de los cuales el 55% se tomó de 1 a 4 selfies diarios, el 9% se tomó más de 8 y un 34% nunca publicó sus selfies.

¿Y tú crees que tienes Selfitis?

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Estos pintores exploraron nuevas formas de expresión, apuntando la experiencia mental subjetiva sobre la experiencia sensible objetiva, la fragmentación sobre el trazado lineal y múltiples miradas sobre la perspectiva singular.

El cubismo tuvo mucha influencia de novelistas y poetas modernistas de la misma época, como Virginia Woolf, James Joyce, Gertrude Stein y William Faulkner, quienes utilizaron elementos cubistas en sus escritos para traspasar los límites del retrato literario.

Máximos representantes del movimiento cubista

1. Alexander Archipenko, transportó el estilo cubista a esculturas

Alexander Archipenko (1887-1964), fue un artista y escultor ucraniano. Nació en Kyyiv, Ucrania. Hizo París el centro de sus actividades desde 1908 hasta 1914; vivió en Berlín desde 1921 hasta 1923; y después de 1923 hizo su hogar en los Estados Unidos, donde enseñó y dio conferencias en varios colegios y universidades. De 1939 a 1955 condujo una escuela privada de bellas artes en la ciudad de Nueva York.

Archipenko fue innovador en cuanto a su estilo, pues paso de las obras y figuras abstractas a esculturas con estilo cubistas, siendo uno de los principales promotores de las esculturas en el cubismo. Su estilo se basó en las concavidades y espacios negativos o vacíos.

Algunas de la sobras de Archipenko:

• Medrano

• Mujer peinándose

• Gondolero

• Desnudo en pie

2. Pablo Picasso,  pintor y escultor español representante del cubismo

Pablo Ruiz y Picasso (1881-1973), pintor y escultor español, considerado el mejor artista del siglo XX. Era único como inventor de formas, innovador de estilos y técnicas, maestro de diversos medios y como uno de los artistas más prolíficos de la historia.

Nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. Picasso era hijo de José Ruiz Blasco, profesor de arte, y María Picasso y López. Hasta 1898 usó el nombre de su padre, Ruiz, y el apellido de soltera de su madre, para firmar sus primeras obras. Ya en  1901 empezó a hacerse más conocido y utilizaba el apellido de soltera de su madre (Picasso) para firmar sus obras.

Creó más de 20,000 obras.

Algunas de las obras de Picasso:

• Les Desmoiselles d’Avignon (1907)

• Ma Jolie (1911-12)

• Naturaleza muerta con silla Caning (1912)

• Maqueta para guitarra (1912)

• Retrato de Gertrude Stein

Fuente: Google

• Arlequín (1918)

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3. Marcel Duchamp, innovó en el arte cinético y arte prefabricado

Fuente: Google

Marcel Duchamp (1887-1968) , fue un artista francés, cuya pequeña pero controvertida producción ejerció una fuerte influencia en el desarrollo del arte vanguardista del siglo XX.
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y medio hermano del pintor Jacques Villon, Duchamp comenzó a pintar en 1908.

Después de realizar varias obras en el modo actual de Fauvismo, recurrió a la experimentación y la vanguardia, produciendo su obra más famosa, “Nude Descending a Staircase 2” en 1912; al retratar el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas.

Algunas obras de Duchamp:

• Joven triste en un tren

Fuente: Google

• Desnudo bajando una escalera

• El gran vidrio

• Molinillo de café

Fuente: Google

4. Georges Braque, sus obras tienen figuras planas y colores brillantes

Fuente: Google

Georges Braque (1882-1963), nació el 13 de mayo de 1882. De 1902 a 1904 Braque fue a París para estudiar en la Academie Humbert y luego en la Ecole des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes) en el estudio de Leon Bonnat.

Sus primeras obras de Braque tenian suaves motivos ondulantes y colores brillantes, fueron hechas entre 1903 y 1905 y fueron influenciadas por André Derain, Henri Matisse y Maurice de Vlaminck.

En 1907 conoció a Picasso, donde vieron una nueva geometrización de la forma y nuevas relaciones espaciales que se convertirían en la base del cubismo. Impulsado por su estrecha asociación con Picasso, cuyo “Les Demoiselles d’Avignon” ha sido llamado “la primera pintura del siglo XX”, Braque transformó radicalmente su estilo.

Tres años despues, Picasso y Braque inventaron el cubismo analítico, un nuevo método completamente ilusorio y no imitativo para representar el mundo visual.

Algunas obras de Braque:

• Terraza del Hotel Mistral

Fuente: Google

• Viaducto en L’Estaque

• Desnudo grande

• Casas en L’Estaque

• Le Portugais (El Emigrante)

5. Fernand Léger, pionero del cubismo a principios del siglo XX

Fernand Léger (1881-1955), fue un pintor francés que influyó en el cubismo, el constructivismo y el cartel comercial moderno. Nació en Argentan, Francia, sirvió dos años como aprendiz de arquitecto en Caen, Francia, y luego estudió extraoficialmente con dos profesores en la École des Beaux-Arts en París, Francia.

A partir de 1910 fue un destacado expositor y miembro del Salon des Indépendants. La mayoría de sus primeros cuadros eran de carácter cubista, como en “Desnudos en el bosque”. Junto con su compatriota Georges Braque y el pintor español Pablo Picasso, Léger jugó un papel importante en el desarrollo y la difusión del cubismo.

Algunas obras de Léger:

• Smoke (1912)

• The woman in blue (1912)

• The Woman with the armchair (1913)

Fuente: Google

• Naked model in the workshop (1912-1913)

6. Juan Gris, considerado uno de los mosqueteros del cubismo

Juan Gris (1887 -1927), pintor francés nacido en España. Nació en Madrid y se educó allí en la Escuela de Artes y Manufacturas. Dejó Madrid en 1906 y se fue a París, al llegar  Francia conoció a Pablo Picasso y Georges Braque, los dos máximos representantes de esta tendencia.

Las primeras pinturas cubistas de Gris aparecieron en 1912, ahí fue su salto a la cima. Luego, de 1922 a 1924, diseñó escenarios para dos ballets del productor ruso Sergey Diaghilev, “Les Tentations de la Bergère” (La Tentación de la Pastora) y “La Colombe” (La Paloma), así como continuar trabajando en sus propias pinturas.

Sus principales pinturas cubistas son naturalezas muertas, como su obra “Violin and Guitar” y “The Open Window”.

Algunas de las obras de Gris son:

• Retrato de Picasso

• Le canigou

Fuente: Google

• Le lavabo

• Mujer con una canasta

• Paisaje en Ceret

La fuente: Google

• La ventana del pintor

Estos fueron los principales autores y obras del cubismo. Los tres utilizan colores y trazos, apuntando hacia la experiencia mental, expresiones y sentimientos, influenciados  por novelistas y poetas.

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Imagen: dinero.com

Francis Gurry, director general de la OMPI, indica que ellos miden la innovación según las instituciones, capital humano, investigación, infraestructuras, creatividad, relaciones y creación de conocimientos. Esta es la lista de los 8 países más innovadores en Latinoamérica.

1. Chile (puesto 46)

2. Costa Rica (puesto 53)

3. México (puesto 58)

4. Panamá (puesto 63)

5. Colombia (puesto 65)

6. Uruguay (puesto 67)

7. Brasil (puesto 69)

8. Perú (puesto 70)

Según el informe, a comparación de los países que lideran los primeros lugares, Francis Gurry informa que hay bastante diferencia en la capacidad innovadora entre países desarrollados y en vías de desarrollo. Hay un índice de baja progresión en actividades de investigación y desarrollo, y esto sucede tanto en entidades estatales como particulares.

Imagen: Contacto hoy

 Francis Gurry aconseja que los países latinoamericanos promuevan la creatividad humana y el rendimiento económico. Soumittra Dutta, decano de la escuela de negocios de la Universidad Cornell, indica que se debe ayudar a las economías emergentes a identificar y comprender sus puentes fuertes y débiles para crear parámetros y políticas adecuadas. En base a las oportunidades que pueden aprovechar los países de Latinoamérica, sus áreas de oportunidad están en sus graduados en ciencia e ingeniería, y la inversión en investigación y desarrollo.

A pesar de estar por debajo de muchos países de otros continentes, los países Latinoamericano han aumentado su promedio en un 2%, a comparación del 2016. Además, Según el abogado que dirige la OMPI, Chile, México y Brasil son algunos de los países que son considerados como actores de innovación importantes. 

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Estos son cursos presenciales y su duración puede variar, hasta un máximo de 3 meses. Los estudiantes, al egresar, reciben una certificación que valida sus nuevos conocimientos, en caso cumplan con los requisitos de aprobación: asistir al 70% de las clases y obtener la nota mínima aprobatoria como promedio final (13). Debido a la constante evolución de las plataformas digitales, la vigencia de dicha certificación dura 1 año y 6 meses, que es aproximadamente el tiempo en que se realizan cambios significativos. Sin embargo, esta puede ser actualizada al culminar este periodo, de forma completamente GRATUITA. Esta misma metodología es empleada por las más grandes empresas a nivel global, tales como Google y Facebook, que ofrecen, sin costo alguno, programas online en los que el usuario puede tomar cursos relacionados a la publicidad y marketing digital. 

Si has llevado alguno de los cursos de Marketing Digital anteriormente mencionados en MOTT, todo lo que debes hacer para renovar tu certificación es lo siguiente:

1.- Recibir un correo en donde se le recordará que ya es tiempo de hacer la renovación de certificado.

2.- Confirmar si tienes acceso a la plataforma virtual ingresando a: academy.mott.pe, e ingresar con el usuario y contraseña que se le envió cuando estudió el curso. En caso no tenga la información, solicitarla al correo: certificados@mott.pe, indicando que hará actualización de certificado.

3.- Revisar el material que estará a disposición del alumno para que pueda actualizar sus conocimientos sobre las más recientes tendencias. Tiene un plazo de 7 días, después de haber ingresado a la plataforma, para rendir el examen.

4.- El examen consta de 50 preguntas con un valor de 2 puntos cada uno. Para aprobarlo, se debe tener la nota mínima de 70. En caso no apruebe la evaluación al primer intento, puede volver a intentar dentro de 7 días y así será durante solamente 3 meses para certificarse sin costo.

5.-Luego de haber aprobado el examen, le llegará un correo de confirmación con el certificado online*. Esta certificación tendrá una duración de también 1 año y 6 meses.

El mundo digital evoluciona cada vez más rápido, y son miles los nuevos términos, conceptos y avances tecnológicos de los que somos testigo día tras día, por lo que es necesario para todo aquel que se dedique a este rubro actualizar cada cierto tiempo la validación de sus competencias. Si has estudiado en MOTT, no dudes en renovar tu certificación, pues no solo te hará más experto en tu área, sino también, te ayudará a prosperar en tu vida profesional.

*Solamente el certificado online no tiene costo

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1. Instituto de Fotografía de Nueva York (NYIP)

Fuente: Bach Huy Hoang

Reconocida como la más grande e importante escuela de Fotografía a nivel internacional, y además, como el mejor instituto de Fotografía que ofrece programas por internet, el NYIP tiene su sede central en Manhattan, pero ofrece su Curso Completo de Fotografía Profesional a estudiantes de otros países, apasionados, profesionales o amateurs, gracias a su Programa de Educación a Distancia Latinoamérica (LLC) vía online y en idioma español. Es la escuela propiamente de Fotografía más antigua y grande del mundo (fundada en 1910), con más de 2,0000 alumnos de todos los países.

2. School of the Art Institut of Chicago (SAIC)

Fuente: SAIC

De acuerdo con la prestigiosa revista US News y World Report, este instituto es considerado el segundo mejor en rubro de Fotografía en los Estados Unidos. Aquí, además de poder obtener un grado de Bachiller en Fotografía de Finas Artes, durante la carrera, puedes también acceder al famoso museo con el que cuenta esta escuela, donde hay exhibiciones, galerías, actuaciones, muestras y lecturas para oír. El SAIC cuenta también con el Programa Cooperativo de Educación, el cual ofrece a sus estudiantes la oportunidad de experimentar pasantías en Chicago y en ciudades aledañas. La malla curricular es amplia y entre sus cursos se trabaja tanto con los formatos tradicionales fotográficos como también, se realizan prácticas conceptuales con equipos de alta calidad. Alumnos notables de este Instituto han sido Cynthia Rowley, Grant Wood, Jeff Koons y Georgia O’Keeffe.

3. Parsons, Nueva Escuela de Diseño

Fuente: www.paulkasmingallery.com

Es una de las más antiguas escuelas de Arte y Diseño en el mundo, situada en Nueva York y fundada por el famoso pintor impresionista estadounidense William Merritt Chase en 1896. Entre la gran variedad de cursos artísticos que ofrece, se encuentra un increíble programa de estudios en Fotografía que dura 4 años, lleno de diversidad, retos y un nivel educativo excepcional. La meta de Parsons es proveer a sus estudiantes de técnicas visuales, conceptuales y el profesionalismo requerido para lograr el éxito en su campo, desarrollando habilidades técnicas y conceptuales en Fotografía comercial, editorial o Finas Artes.

4. Instituto Fotográfico Speos París

Fuente: Speos

A pesar de su relativamente reciente fundación, a comparación de las demás escuelas que figuran en la lista (en 1985), Speos, localizada en la capital francesa, es considerada una de las más prestigiosas escuelas de Fotografía en el mundo, y sus programas están basados en la creatividad, la libertad y la conceptualidad en la enseñanza técnica. Los cursos dictados son en inglés, ya que, por año, suelen llegar alumnos de aproximadamente 54 países de todo el mundo. Su especialidad es la Fotografía de estudio, las Finas Artes y el Fotoperiodismo Ha colaborado con grandes compañías fotográficas internacionales, tales como Gamma, Reuters, Canon, Nikon, Fuji Film, Konica y Minolta.

5. Royal College of Art

Fuente: Archello

El programa de Fotografía del RCA, situado en Londres, promueve un ambiente crítico y educativo para que sus estudiantes puedan desarrollarse como artistas en el campo al que se dirigen. En este, podrás atender clases, tutoriales y seminarios dictados por renombrados profesores y académicos. El RCA brinda a sus alumnos equipos de vanguardia para realizar sus trabajos, como la Canon 5D MK ll, Nikon D800 y Hasslelbad, en lo que se refiere a cámaras digitales, entre otra gran variedad de dispositivos para fotografía.

6. IED – Instituto Europeo de Diseño

Fuente: Internet Age Media

La IED, fundada en 1966 por Francesco Morelli, es una de las más respetadas escuelas de arte en Europa, la cual ofrece estudios en las siguientes disciplinas: Diseño, Moda, Comunicación visual y Administración, y tiene sucursales por toda Italia (Roma, Milán, Florencia, Venecia, Cagliari), España (Barcelona y Madrid) y Brasil (Sao Paulo). Es en la sede de Madrid donde se dictan uno de los cursos más renombrados de Fotografía en Europa, cuyo programa es considerado de los más ambiciosos en dicho continente, donde la conceptualidad y la identidad creativa son la clave de todo. Las clases son en inglés casi al 100%, salvo algunas que son dictadas en español, las cuales brindan traducción simultánea al inglés.

7. Academy of Art University

Fuente: Top Universities

Es una de las más famosas escuelas de Arte privada de Estados Unidos, localizada en San Francisco, California, y fue fundada en 1929, mayormente conocida por ser la institución acreditada más grande de su país. Su número de estudiantes se eleva a 18,000, tanto en pregrado como en postgrado. Ofrece, además de una gran variedad de cursos de Fotografía, alternativas de programas online, para estudiantes de todo el mundo.

8. Vevey Escuela de Fotografía

Fuente: Resource Magazine

Vevey es considerada una de las mejores escuelas de Fotografía no solo en Suiza (el país donde se encuentra) sino en Europa y en todo el mundo: Ha ganado numerosos premios y además, tiene su propio Premio Internacional de Fotografía, el cual otorga 3,0000 euros por proyectos fotográficos e iniciativas. Por otro lado, no solo ofrece cursos artísticos, sino también de otros rubros de este campo, tales como producción o ventas. En general, en Vevey puedes obtener amplios conocimientos en técnica fotográfica, impresión y medios electrónicos.

9. Academia Europea de Finas Artes

Fuente: Tonybeeprize.org

Pese a que esta academia se encuentra en Trier, Alemania, cuenta con un departamento de Fotografía en Barcelona, en el cual, las clases de dictan en inglés. La Academia Europea de Finas Artes es una escuela muy selectiva, pues admite solo 12 estudiantes por año en el rubro. Las reglas de admisión son muy estrictas, y además, exige como requisito previo la posesión de una cámara de alta calidad y un trípode para estudiar allí. Las clases incluyen lecciones en fotografía en blanco y negro, composición y técnica.

10. Universidad Ryerson

Fuente: Narcity

Ryerson, ubicada en Toronto, Canadá, es considerada una escuela líder en innovación educativa y además, es una de aquellas universidades urbanas que participan en movidas o acontecimientos del medio. Cuenta con 38,950 estudiantes y más de 100 programas educativos entre pregrado y postgrado. Los estudios en Fotografía son de tiempo completo y tienen una duración de cuatro años, tras los que se obtiene un título de Bachiller en Finas Artes. Su malla curricular combina teorías y trabajo práctico con antiguas y nuevas tecnologías que permiten convertir en arte la fotografía. La selección de estudiantes está basada en un programa de Grados Plus, es decir, los requisitos de admisión solo toman en cuenta las notas, mas no requerimientos previos no académicos.

Estudiar en alguna de estas escuelas sería todo un sueño hecho realidad para aquellos que aman la Fotografía. Si lo tuyo es este arte, no dejes pasar la oportunidad: averiguar si cumples con los requisitos para ingresar a dichas instituciones es el primer paso, como también, si puedes conseguir alguna beca. Convertirse en artista requiere un largo camino, donde es importante que exista una confluencia entre la pasión y la educación. Y a ti, ¿dónde te gustaría estudiar Fotografía?

Fuente imagen de portada: COOL

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Eventos subliminales como el New York Fashion Week son, cada año, escenario de las tendencias que inspiran a miles de mujeres alrededor del mundo. Diseñadores famosos como Stella McCartney, Valentino y Vivienne Westwood son algunos de los egresados de escuelas en Francia e Inglaterra. Por lo que, pertenecer a una de ellas sería un sueño hecho realidad para las personas apasionadas por la moda.

Las 10 escuelas y universidades de Diseño de Modas más prestigiosas en el Mundo

CENTRAL SAINT MARTINS (Londres, Inglaterra)

La escuela de Diseño y Modas más reconocida del mundo es la Central Saint Martin, por su programa de diseño muy superior al resto. Exponentes de la moda como Stella McCartney, Alexander McQueen, Phoebe Philo y más son egresados de esta institución. Está parcialmente financiada por el gobierno, lo que significa que los estudiantes británicos más talentosos de todos los sectores pueden lograr entrar.

Además, el equipo de docentes es de alto reconocimiento; Louise Wilson, ícono en el mundo de la moda, enseñó a varios grandes como McQueen y Giles Deacon. Otro punto que evidencia su importancia e influencia en el mundo: Central Saint Martins es la única escuela que tiene archivado los desfiles de sus alumnos en una web, Style.com, con acceso al público. El costo anual de su programa es de 9,500 a 12,700 euros o 14,900 a 20,000 dólares

PARSONS, THE NEW SCHOOL FOR DESIGN (Nueva York, EE.UU)

Parsons, ubicada en Nueva York, es la segunda escuela de diseño de modas más reconocida a nivel mundial, sobretodo en los últimos diez años. Contiene programas de Diseño de Vestuario, Estudios de Moda y Marketing de Moda. Muchos de los estudiantes graduados, actualmente, son parte del cuerpo docente de la facultad, como por ejemplo: Donna Karan y Proenza Schouler, quienes dictan charlas y workshops en la escuela a los alumnos. Otro punto atractivo es que Parsons está asociado a varias empresas y marcas de Retail como Louis Vuitton, en las que los alumnos pueden realizar prácticas y pasantías. El costo anual de la escuela es de 36,800 dólares.

BUNKA FASHION COLLEGE/BUNKA WOMEN’S UNIVERSITY (Tokyo, Japón)

Fue creada en 1919 en Tokyo, Japón. Bunka siempre ha sido reconocida por generar cosas nuevas en el mundo de la moda. La escuela se hizo cada vez más famosa a partir de los años 60, cuando los estudiantes comenzaron a presentar sus trabajos en París. Hoy, la escuela es caracterizada por realizar diseños de vanguardia, de la más alta calidad y guiada por un alto apoyo en marketing y programas tecnológicos.

Sin embargo, hay ciertos requisitos que los alumnos deben cumplir para postular. Hablar y comprender bien el idioma, tener los medios financieros para poder vivir en Japón y, por último, no permiten alumnos que trabajan medio tiempo. El costo promedio anual para estudiar en Bunka es de 1,045,000 a 1,570,000 yenes o 12,677- 19,030 dólares.

ANTWERP ROYAL ACADEMY OF FINE ARTS (Amberes, Bélgica)

The Royal Academy fue fundada en el año 1963 y es una escuela de diseño de élite, albergando solo a 140 alumnos. Conocida por ser algo más estricta y porque muchos de sus alumnos abandonan los estudios debido a la gran carga académica. En 1980, un grupo de diseñadores marcaron la historia de esta escuela por hacerse un nombre por sí mismos. Walter Van Beirendonck, Ann Demeulemeester, Dries van Noten, Dirk Van Saene, Dirk Bikkembergs y Marina Yee son los seis alumnos del Departamento de Moda de Amberes. Mejor conocidos como la Seis de Amberes. Posterior a ello, la escuela se ha mantenido como una de las favoritas escuelas de modas, para los más dedicados, talentosos y disruptistas.

El costo anual de esta escuela es de 6,000 euros o 8,000 dólares. Las matrículas son altamente subsidiadas por el gobierno belga, aún para los alumnos extranjeros. El único requisitos necesario es dominar el idioma holandés.

FASHION INSTITUTE OF TECHNOLOGY (Nueva York, EE.UU)

Esta escuela neoyorquina, ofrece programas de Diseño de Vestuario, Negocios, MArketing, Ilustración, Estilismo y varios otros grados relacionados con la moda. Además, son reconocidos por su rigurosa programación académica, ofreciendo oportunidades de aprendizaje experimental ligado al compromiso y la innovación. Los ciclos de conferencias y el museo de la escuela son excepcionales, aportando a la intelectualidad y el espíritu empresarial de los estudiantes. El costo semestral de estudiar en FIT es de 2,584 dólares (para los residentes en Nueva York), y 6,775 dólares por semestre (para los residentes fuera del estado).

ECOLE DE LA CHAMBRE SYNDICALE (Paris, Francia)

L’École de la Chambre Syndicale es una prestigiosa Escuela de Moda francesa, con larga trayectoria en el campo del diseño de modas. Popular por sus reconocidas clases de Alta Costura, esta escuela le da una importancia a las técnica de formación como calificativo necesario para la evolución de la industria. En esta institución, tiene exponentes como André Courreges, Issey Miyake y Valentino. La escuela solo imparte programas de licenciaturas, pero a menudo no aceptan a algunos estudiantes hasta después de que terminen sus estudios de diseño en alguna otra escuela primero. El costo anual es de 10,450 euros o 13,230 dólares.

INSTITUTO MARANGONI (Milán, Italia con sedes en Londres y París)

La escuela italiana se encuentra emplazada en las tres mayores capitales de la moda, lo que se convierte en un gran plus para los estudiantes. La plana docente es capaz de transmitir sus conocimientos a la excelencia. Son profesionales que se volvieron maestros. Dos exponentes de este Istituto Marangoni son Domenico Dolce y Franco Moschino. Además, el 90% de los egresados encuentra trabajo prácticamente al momento de terminar sus estudios. El costo anual del programa es de 13,900 euros  o 17,670 dólares, el financiamiento puede variar hasta 19,000 euros o 24,550 dólares dependiendo del programa. El requisito es que los alumnos dominen el idioma Italiano, Francés e Inglés, oficiales de la escuela.

ESMOD (París, Francia)

Esta escuela es la primera Escuela de Modas del mundo y la más antigua de Francia, responsable de crear el primer maniquí y la huincha de medir utilizada por todos los diseñadores de vestuario hoy en día. ESMOD cuenta con un porcentaje que fluctúa entre un 75% y un 85% de estudiantes que encuentra trabajo luego de graduarse. Contiene programas de Diseño de Vestuario y Negocios de Moda. Christophe Decarnin es un egresado de esta prestigiosa escuela y se ha desempeñado con éxito en el mundo de la moda. Además, su sede principal en París, Francia, tiene 21 escuelas en 14 países diferentes. El costo anual para estudiar en ESMOD es de 12,000 euros o 15,990 dólares.

UNIVERSITY OF WESTMINSTER (Londres, Inglaterra)

La universidad imparte programas de Diseño de Vestuario y, además de formar diseñadores altamente creativos, la escuela tiene un programa de periodismo reconocido. Por otro lado, los alumnos tienen la opción de estudiar tres o cuatro años y luego dedicar un año entero a trabajar dentro de la industria de la moda. Algunos diseñadores reconocidos egresados de la escuela son: Vivienne Westwood, Christopher Bailey, Michael Herz, Katie Hillier y Sophie Dean. El coste anual de la Universidad de Westminster es de 10,500 euros o 16,538 dólares. Por último, ofrece una licenciatura en Diseño de Vestuario donde solo admite a 130 alumnos.

ROYAL COLLEGE OF ART (Londres, Inglaterra)

Esta universidad no solo contiene una Escuela de Arte, sino también se desempeña en áreas como Arquitectura, Comunicación, Diseño, Escuela de Bella Artes y una facultad de humanidades. Similar a L’École de la Chambre Syndicale, el Royal College of Art sólo ofrece programas de post-grado, reconocidos a nivel mundial. Dentro del rubro de la moda ofrece programas de Diseño de Vestuarios y Textil, aceptando a menos de 100 alumnos por año. Algunos de los diseñadores famosos egresados de esta escuela son: Philip Treacy, Erdem Moralioglu, Christopher Bailey, Ossie Clark y Zandra Rhodes.

Conclusión

Este listado ha recopilado lo mejor del mundo del diseño y modelaje. Estas escuelas y universidades tienen reconocimiento por su larga y gran trayectoria a lo largo de los años. Sin embargo, representan una gran inversión y dedicación, pues tienen costos que superan el presupuesto de cualquier ciudadano y para ingresar a ellas debes cumplir ciertos requisitos como dominar el idioma dependiendo del país en el que se encuentren.

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Las prácticas de sexismo

Las prácticas de sexismo afectan a mujeres y hombres, pero principalmente, a las primeras, dada la vigencia de creencias culturales de que son inferiores o desiguales a los hombres por naturaleza. Por ejemplo, nuestra sociedad asume que las mujeres tienen menos capacidad para tomar decisiones, participar en la política, ser líderes empresariales o profesionales competentes por méritos propios, etc. Y en cuanto a los hombres, se cree que ellos no pueden hacer roles que normalmente son roles de “mujeres”, como ser enfermeros, cocineros o peluqueros.

Pero no nos ponemos a pensar que los mismos medios y sociedad nos han hecho optar estos estereotipos muy marcados, porque desde la publicidad que vemos en la televisión o banner nos marca los roles que debe cumplir cada persona, sea hombre o mujer. Como cuando vemos un comercial de algún tipo de detergente o desinfectante para el hogar, siempre se aprecia que es una mujer la que limpia el hogar. ¿Y por qué no poner un hombre?

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La forma en cómo estas creencias se reflejan en el lenguaje y en las prácticas cotidianas, alude a los prejuicios y a los estereotipos que pesan, como ya dijimos, sobre mujeres y también hombres por las condiciones que se le atribuyen a cada sexo. Ante esta problemática, Rasenth, artista de 27 años, residente en Japón, creó un cómic en el que deja algunas cosas claras acerca de la violencia y sexismo que se vive en el mundo. A pesar de estar en una época donde la globalización y la modernidad está en su apogeo, se sigue viviendo este tipo de desigualdad.

15 imágenes que demuestran el sexismo y los estereotipos

O simplemente pensamos que si la chica linda te rechaza, es una superficial.

Y se aplica tanto en hombres como mujeres

Pensamos que solo los hombres pueden pedirnos para salir, porque si no somos unas desesperadas o fáciles. Un riesgo del sexismo.

Necesitamos aceptar las negativas

Claramente, algunas personas piensan que al insistir se puede lograr el objetivo. Para estos casos no es así. No es No, simple.

Nadie quiere ser tratado como un objeto

Algunos hombres piensan que por ser hombres, tienen derecho a todo. Como a tratar a las mujeres como simples objetos sexuales.

No debemos culpar a nadie por el acoso sexual que recibe

  No podemos culpar a nadie por ser acosado/a o violentado/a. Las personas no incentivan a eso, pueden vestir y andar como deseen.

Los problemas no se solucionan cambiando el aspecto

Ser diferentes nos hace únicos. No cambies por nadie, si lo haces, hazlo por ti.

Rasenth afirma que solo quiere que la gente se dé cuenta del estándar inconsciente que nos hace daño y que daña al resto de las personas. Sigue viendo más imágenes que forman parte de este original proyecto que captura perfectamente cómo el sexismo se manifiesta en la sociedad y que debemos darnos cuenta de lo que implica para poder combatirlo.

Tampoco se resuelve con sexo

Muchas veces se asocia la solución a los problemas de pareja con el sexo.

Todos tienen derecho de explorar su sexualidad cuando lo deseen

 Cada quien es libre de explorar su sexualidad en el momento que se sienta preparado. Sea hombre o mujer.

Cada quien es libre de vestir como lo desee

Te vistas como te vistas, la única que tiene que ser feliz, eres tú.

El peso ideal no existe, es cuestión de estereotipos

Alta, baja, flaca, gorda, morena, rubia, ojos verdes u ojos cafés. Cada una es diferente y especial.

Todas las personas merecen respeto

La imagen te lo dice. Todos merecemos ser tratados con respeto, sin sexismo.

Los hombres tampoco merecen ser violentados

Ser diferente no tiene nada de malo. Cada quien explora situaciones en el momento indicado.

Merecen respeto al igual que una mujer

Respeto e igualdad.

Así que es momento de dejar atrás los insultos que afectan su masculinidad

No nos hace más mujeres.

Porque el sexismo nos afecta a todos de igual manera

Nos afecta de igual forma, porque aún nuestra sociedad no está preparada para los cambios.

La decisión de hacer estas ilustraciones surgió por el caso del estudiante Elliot Rodger, quien en mayo de 2014, mató a seis personas y dejó a otras 13 heridas en represalia por las mujeres que lo rechazaron sentimentalmente. Los ataques de Rodger pusieron al descubierto su cultura misógina, culpando a las mujeres por la infelicidad de los hombres, un claro reflejo de lo que engloba el sexismo.

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Fuentes de información más utilizadas por los estudiantes:

Wikipedia

Es la pagina más consultada por los jóvenes, en todo el mundo. Es su primera opción ya que se indica que la información que se encuentra en su pagina es mas confiable que la de otras paginas de ayuda.
Entre los temas que se encuentran en Wikipedia son, biografías, historia, ciencia, tecnología, deportes, entre otros temas que tienen relevancia para el publico.

Fuente: Google

 

Rincón del vago
Ofrece monografías o ensayos completos, hechos por otra persona. Aquí a diferencia de wikipedia, no tienes como un resumen del tema, sino un trabajo completo. El cual cuenta con un indice de todo lo que encontraras, el desarrollo, incluso hasta con bibliografía.
Si bien es una gran ayuda, ya que te da una idea de como podrías hacer tu trabajo y te da toda la información que necesitas, pero, también es una mala idea, pues muchos estudiantes solo lo utilizan para copiar y pegar la información. Ahí es donde muchas veces se utiliza el plagio.

Buenas tareas
Esta pagina, a diferencia de las otras, la información proviene de especialistas en los temas que se difunden, por ello también es de gran confiabilidad y de mucha utilidad.
A diferencia de las otras que son escritas por estudiantes o aficionados en los temas que se publiquen.

Fuente: Google

 

Monografias.com
Es preferida por un gran sector de estudiantes, ya que a pesar de llamarse “Monografías”, la información que presentan en su web no es tan extensa, ni aburrida.

Fuente: Google

Scribd
Te da la información que necesitas a través de diapositivas, las mismas que puedes descargar y utilizar en alguna exposición.

Fuente: Google

 Taringa
Encontraras artículos, post, imágenes y vídeos subidos por usuarios aficionados al tema que se busca. La información que se comparte se da a través del foro de la pagina.

Fuente: Google

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