Hay que tener en cuenta que la miopía, es cuando una persona ve borroso desde lejos, y tiene grados de dificultad, lo cual causa que se necesiten lentes para poder ver con claridad. En algunas ocasiones, este problema aumenta cada cierto tiempo. Es por eso que Barlow realizó estas pinturas hiperrealista para mostrar la realidad que pasan estas personas a diario. En los retratos juega con la luz y los contornos difuminados, para dar ese toque desenfocado y real.

Los retratos en la playa, uno de los escenarios más concurridos en verano

Los retratos en la playa son uno de los que más se asemejan a la realidad. Ya que al tener miopía, no pueden disfrutar del todo bien al día, por el miedo de no distinguir a sus amigos, no identificar sus objetos, entre otras cosas. Más aun cuando la luz del sol es muy fuerte al medio día. Esta serie de imágenes te hará ver la realidad de los miopes.

Las pinturas de la ciudad en un día normal y común

Si las imágenes de la playa te sorprendieron, las pinturas de la ciudad son realmente otro nivel, ya que llegan a tener una gran similitud más verídica con la realidad. Además, la técnica que utilizó Philip Barlow ha tenido gran acogida en las redes sociales, porque como él mismo lo vive, el problema se agrava más cuando llega la noche, y solo están las luces de la ciudad. 

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Las pinturas de Kahlo son profundamente personales, repletas de simbolismos que narran la historia de su vida. Pero incluso con su inmensa popularidad, todavía puede haber algunas cosas sorprendentes que aún no sepas acerca de esta célebre artista. Conozca un poco más acerca de la mujer detrás de la obra de arte, y cómo se elevó a la fama después de su muerte con nuestra lista de 8 hechos interesantes de Frida Kahlo.

1. Amaba las pinturas de autorretratos

De 143 pinturas, 55 son autorretratos, lo que es quizás comprensible cuando se piensa en cuánto tiempo pasó sola mientras se recuperaba de una variedad de problemas de salud. Su trabajo introspectivo se vuelve aún más impactante por su uso del autorretrato para expresar sus luchas internas, sufrimiento psíquico y mental.

No busquen más allá, solo son unas pinceladas de lo que soy… #FridaArt #FridaKahlo #Painter #Artist #México #Unique

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2. Mintió acerca de su edad, pero por una buena razón

A los 6 años, Frida Kahlo contrajo la polio. Esto no solo hizo que su pierna derecha fuera más corta y más delgada que la izquierda, que con algunas faldas largas intentó disimularlo. Sino que la mantuvo fuera de la escuela durante bastante tiempo. Después de unirse a la élite de la Escuela Nacional Preparatoria en 1922, se sumergió en el indigenismo, un nuevo sentido del orgullo cultural mexicano. Para mostrar su compromiso con la cultura mexicana y disfrazar el hecho que ella era mayor, se quitó tres años más de su edad. Por el resto de su vida, declaró que nació el 7 de julio de 1910, el año en que comenzó la Revolución Mexicana.

“Y la sensación nunca más me dejó, de que mi cuerpo carga, en sí, todas las llagas del mundo.” #FridaKahlo #Photography #Mexico #Painter #Artist #Legend

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3. Soñaba estudiar medicina hasta que se accidentó

De niña, soñaba con ser doctora, y el arte era una afición secundaria alimentada por su padre, que era fotógrafo. Sueño que terminó a los 18 años, cuando ella y su novio estuvieron involucrados en un horrible accidente. El autobús de madera en el que viajaban colisionó con un tranvía, lo que provocó que una barandilla de hierro la atravesara a través de la pelvis. Las lesiones casi fatales la mantuvieron hospitalizada durante meses. Fue durante este tiempo que el padre de Kahlo creó un caballete especial que le permitió pintar en la cama. El accidente causaría que viviera con dolor crónico y con frecuencia necesitaría cirugías para ayudar sus lesiones espinales.

“Porque todo cambio nace de una destrucción…” #FridaKahlo #Mexico #Artist #Painter #Legend #Photography

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 1 de Ago de 2018 a las 6:01 PDT

4. Apareció en la Revista Vogue

Existe un rumor en internet que apareció en una portada de 1939 de Vogue Paris, pero en realidad, su primera aparición en la revista fue en 1937. En la edición de octubre de American Vogue, apareció en un artículo llamado Señoras de México. Toni Frissel la fotografió junto a una planta de agave y solo apareció en la revista, no en la portada. La portada de Vogue de 1939 es simplemente una maqueta inteligente que usa un retrato icónico de Kahlo, tomado por el fotógrafo Nickolas Muray, con quien tuvo una aventura a largo plazo. La edición de noviembre de 2012 de Vogue México usó la fotografía de Muray, convirtiéndola en una chica de portada casi 60 años después de su muerte.

“Autorretrato dedicado a León Trotsky (Entre las cortinas)”. (1937) #FridaKahlo #Painter #Painting #Artist #México #Legend

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5. Fue encarcelada por presunto asesinato

Kahlo y su esposo Diego Rivera fueron miembros por mucho tiempo del Partido Comunista Mexicano. En 1937, solicitaron al gobierno mexicano otorgar asilo al ex líder soviético León Trotsky, quien tuvo una breve aventura con ella. Se cree que el romance fue una revancha de Kahlo por el romance de Rivera con su hermana menor, Cristina. En 1940, fue asesinado y Kahlo, junto con su hermana, fue encarcelada brevemente como sospechosa. Como conocía al hombre que cometió el asesinato, finalmente fue liberada y liberada después de dos días.

“Nada en mi sería ya tan hondo, tan al final pero cómo le explico mi necesidad enorme de tenerla, mi soledad de años mi estructura inconforme por inadaptada.” #FridaKahlo #Mexico #Legend #Photography #Painter #Artist

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 16 de Jun de 2018 a las 6:38 PDT

6. Llegó a su exposición individual en una ambulancia

La salud de Kahlo siguió disminuyendo y pasó los últimos años de su vida dentro y fuera del hospital. Ella estaba principalmente atada a La Casa Azul y usaba una silla de ruedas y muletas para moverse. Aun así, el aprecio por su trabajo continuó creciendo y ella continuó pintando.

En abril de 1953, se inauguró su primera exposición individual en México en la Galería Arte Contemporáneo. En ese momento, Kahlo estaba en reposo en cama por orden del médico y no se esperaba que asistiera. Sin embargo, se aseguró de estar allí, llegando en ambulancia y ordenando que su cama fuera trasladada a la galería. Solo unos meses después, su pierna derecha fue amputada hasta la rodilla debido a una gangrena y, poco más de un año después de la apertura, fue encontrada muerta a los 47 años.

“Dos desnudos en un bosque (La tierra misma)”. [1939] #FridaKahlo #Painter #Artist #Painting #Art #México

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 23 de Oct de 2017 a las 5:34 PDT

“He estado enferma un año. Siete operaciones en la columna vertebral. El doctor Farrill me salvó. Me volvió a dar alegria de vivir. Todavia estoy en la silla de ruedas, y no sé si pronto volveré a andar. Tengo el corset de yeso que a pesar de ser una lata pavorosa, me ayuda a sentirme mejor de la espina. No tengo dolores. Solamente un cansancio de la. . tiznada. [sic]” #FridaKahlo #Photography #Mexico #Legend #Artist #Painter

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 13 de Jun de 2018 a las 6:20 PDT

“Pies, para que los quiero si tengo alas pa’ volar.” #FridaKahlo #Legend #Artist #Photography #Painter #Mexico

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7. Su arte establece récords mundial

En 1939, cuando el Louvre adquirió su pintura The Frame, Frida Kahlo se convirtió en el primer artista mexicano del siglo XX en hacer que su obra entrara en una importante colección internacional. El autorretrato de 1938 está ahora en exhibición en el Centro Pompidou de París como parte del Museo Nacional de Arte Moderno.

Pero ese no es el único registro que rompió Frida, en 1984 su obra fue declarada parte del patrimonio cultural nacional de México, por lo que es raro encontrar sus pinturas en subastas internacionales. Aún así, en 1990 fue la primera artista latinoamericana en vender en una subasta por más de $ 1 millón. Su trabajo continúa ganando valor, con Two Lovers in a Forest vendiéndose por $ 8 millones en 2016.

“Diego y Frida (1929 – 1944)”. [1944] #FridaKahlo #Art #Painter #Painting #Legend #Mexico

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 26 de Jul de 2018 a las 5:07 PDT

8. Es un ícono feminista, chicano y del LGBT

El lugar de Kahlo en la cultura popular comenzó a aumentar en la década de 1970. Cuando los estudiosos comenzaron a cuestionar la exclusión de los artistas no occidentales de los libros de historia. Su apertura con su sexualidad, siendo bisexual, y su vestido de doble género la ha convertido en una figura emblemática de la comunidad LGBT. Su orgullo feroz por sus raíces mexicanas y su promoción de apartarse de las raíces coloniales de México también le convertieron en una fuente de orgullo para los chicanos. El término “Fridamanía” se ha utilizado para describir el fenómeno, con el romanticismo del siglo XXI de la vida de Frida Kahlo casi eclipsando su verdadera historia.

“Mi soledad de años. Mi estructura inconforme por inarmónica, por inadaptada. [sic]” #DiarioDeFrida #FridaKahlo #Painter #Artist #Photo #México

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 25 de Oct de 2017 a las 5:37 PDT

Estos logros son aún más asombrosos cuando uno recuerda que, durante su vida, generalmente se le llamaba “esposa de Diego Rivera” y no como artista por derecho propio. La Frida del siglo XXI es una estrella, una propiedad comercial completa con clubes de admiradores y merchandising. Una encarnación de las esperanzas y aspiraciones de un grupo casi religioso de seguidores. Esta salvaje e híbrida mujer es una mezcla de bohemia trágica, y heroína revolucionaria. Ha tomado tanta influencia en la redes sociales, tanto como en su cuenta de Instagram, donde puedes observar otras de su semblanzas y obras.

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11 artistas hiperrealistas que te impactarán con sus obras de arte

1. Mike Dargas, el talentoso artista y pintor visual alemán

El arte de Mike Dargas, se hizo ampliamente conocido por sus retratos al óleo hiperrealistas a gran escala. Cuando tenía 11 años ya exponía sus pinturas en la plaza de la Catedral de Colonia, pintadas con colores pastel y tiza. A esta edad fue aceptado en la escuela de pintura, era el único niño entre los adultos. Inicialmente, creaba esculturas de madera y metal, y después despertó su interés por el hiperrealismo. Su firma personal en sus retratos es el jarabe que se escurre por el rostro de las mujeres. Sorprende a las personas con sus habilidades y su gran talento de captar la esencia de las personas retratadas. Algunos de sus diseños obtuvieron numerosos premios y becas para seguir estudiando.

In progress #art #painting #oil #portrait #honey #beauty #healingbeauty #kiss #lipstick

Una publicación compartida por Mike Dargas (@mikedargas2014) el 11 de Sep de 2017 a las 9:59 PDT

2. Tigran Tsitoghdzyan, uno de los mejores artistas hiperrealistas

El pintor Tigran Tsitoghdzyan, nació en Armenia. A los 10 años llevó a cabo su primera exposición. Se considera que su estilo icónico es una combinación de técnica clásica con un toque contemporáneo, a menudo es comparado con el hiperrealismo.

En la actualidad, Tigran vive en Nueva York. Su proyecto actual “Mirrors” consta de cuadros en los cuales están representados rostros tapados con manos semitransparentes. Estas manos simbolizan nuestra discapacidad de ocultar la personalidad en Internet, en particular en las redes sociales.

Month later… #workinprogress #painting #oilpainting #artstudio #portrait #blackpanther #instaart #hyperrealism #photorealism #surrealism #contemporaryart #contemporarypainting #tigran #tigrantsitoghdzyan

Una publicación compartida por Tigran (@tigrantsi) el 22 de Mar de 2018 a las 10:02 PDT

3. Sergey Piskunov, prometedor artista contemporáneo

Con tan solo 28 años, el artista ucraniano, Sergey Piskunov, a pesar de no terminar la escuela de arte, aprendió a dibujar por sí mismo. Quien ha tenido un increíble éxito en este movimiento artístico. El pintor ya llevó a cabo exposiciones no solo en las ciudades de Ucrania, sino también en Londres, Berlín, Tel-Aviv, Singapur. Algunas obras suyas adornan las colecciones privadas y galerías de Estados Unidos, Gran Bretaña, China, Francia y los Emiratos Árabes Unidos.

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Una publicación compartida por Sergey Piskunov (@piskunovart) el 20 de May de 2017 a las 4:36 PDT

4. Eloy Morales, de los artistas hiperrealistas que crea crea maravillosa obras a gran escala

Eloy Morales es un talentoso pintor, de 40 años de edad, con sede en Madrid, España. Sus obras son casi imposibles de diferenciar entre fotografías o pinturas, los mismos que son pintados en óleo. Gran parte de estos autorretratos, muestran el rostro de Eloy manchado con capas de pintura, que le dan un toque aún más particular. Parece que en estos retratos están representados las consecuencias de la explosión de una fábrica de tintes. Ha participado en exposiciones por toda Europa, México, EE.UU y otros países.

One of my paintings of the MEAM museum collection.

Una publicación compartida por Eloy Morales (@eloymorales73) el 17 de Jul de 2017 a las 12:39 PDT

5. Dru Blair, un reconocido pintor de aerógrafo estadounidense

El artista estadounidense, Dru Blair, utiliza aerógrafo para crear sus retratos. Especialmente, el cuadro en el cual se representa una modelo brasileña en un vestido blanco provocó discusiones entre los expertos. Ellos afirmaron que es imposible dibujar fotográficamente así de preciso y llamaron a Dru un farsante. Quien lo aceptó como un cumplido. Y es que en verdad, es tan difícil creer que todos estos retratos no son más que aerografía.

Here is the entire completed painting. #notdigital #artistmafia #artistshouts #artistdrop #artist_sharing #art_collective #artempire #artassistant #lovelyart #_talent #artnerdy #artsanity #artcollective #cieloart #artcrazee #art_fashion #repostmyart #artofdrawingg #illustrateyourworld #hash_talent #cielo_art #daily__art #artsglobal #famepeak #artag #alien_arts #arthelp #artists_mag

Una publicación compartida por Dru Blair (@dru_blair) el 14 de Feb de 2014 a las 7:12 PST

6. David Eichenberg, se diferencia de los demás artistas hiperrealistas por sus pinturas de silueta

El artífice David Eichenberg, también se encuentra involucrado en el mundo del hiperrealismo. Se diferencia de otros pintores, porque prefiere representar a las personas de perfil. Sin embargo, los cuadros de David son muy brillantes, a comparación de otros.

“Jack” (portrait of glass artist Jack Schmidt). 7″ x 10″, Oil on Aluminum Panel #realism #art #painting #portraiture #contemporaryart #jackschmidt #glassartist #oilpainting

Una publicación compartida por David Eichenberg (@davideichenberg) el 17 de Jun de 2017 a las 8:52 PDT

7. Daniel Sprick, conocido por su estilo de muerte realista

El pintor estadounidense de Denver, Daniel Sprick, de 65 años, es el más famoso por su naturaleza muerta realista. Pero entre sus obras hay también retratos de personas que, al ver, es difícil creer que se hayan realizado con ayuda de una brocha y tintes.

Una publicación compartida por Daniel Sprick (@sprickdaniel) el 7 de Mar de 2018 a las 6:20 PST

8. Arinze Stanley, uno de los artistas hiperrealistas que trabaja con un lápiz de grafito

Arinze Stanley Egbengwu, es un artista, activista, ingeniero y empresario nigeriano. Es conocido por realizar sus dibujos hiperrealistas con lápiz de grafito y de carbón. Los cuales son hechos en enormes lienzos, generalmente de personas comunes de ascendencia africana. Arinze utiliza sus obras como un medio para el activismo social y político, abordando cuestiones apremiantes tanto en su comunidad como en todo el mundo. Con una increíble minuciosidad, dibuja cada pequeño detalle para representar al máximo con precisión el reflejo de la luz, las gotas de sudor o rizos del cabello. Si quieres ver más de su arte puedes seguirlo en su cuenta oficial de Instagram.

9. Parag Sonarghare, ha tenido varias exposiciones en galerías y museos

Parag Sonarghare es un pintor indio que ha expuesto sus obras de arte en varias galerías y museos, incluso en la Galería Maskara. El mismo que dibuja solamente los hombres. Sus pinturas son tan detalladas que, a veces, incluso a los profesionales les resulta difícil entender dónde está la fotografía y dónde la pintura en óleo.

#realistic #portrait #figurativepainting #figurative #painting #art #artist #studio #hyperrealism #artwork #contemporarypainting #contemporaryrealism #male #photorealism #realism #paragsonarghare #acryliconcanvas #kasim #museumeam

Una publicación compartida por Parag Sonarghare (@paragsonargharestudio) el 23 de Jul de 2017 a las 12:03 PDT

10. Dirk Dzimirsky, uno de los artistas hiperrealistas de Alemania

Nacido en Rhede, Alemania, de 49 años, Dirk Dzimirsky, dibuja enormes retratos de personas utilizando lápices, colores pastel y carbón. A pesar de haber realizado dibujos de forma autodidacta toda su vida, fue en el año 2005 que decide dedicarse profesionalmente a ello. Dirk posee una gran técnica, destacando sobre todo los retratos a los que les otorga una vida y una expresión francamente loables. El nivel de detalle es casi fotográfico, consiguiendo darle una profundidad y un tratamiento espléndido. El artista se deja intencionadamente seducir por cierta dureza del dibujo en nariz, boca, arrugas y poros, y se permite incorrecciones que no quitan sentimiento a los retratos. Podemos encontrar sus trabajos también en deviantArt donde se da a conocer como DDzim.

Drowning, 2016 Charcoal and acrylic on canvas, 100×70 cm #dirkdzimirsky #charcoaldrawing #face #drawing

Una publicación compartida por Dirk Dzimirsky (@dirk_dzimirsky) el 1 de Feb de 2016 a las 6:07 PST

11. Philipp Weber, sus obras representa el cliché del mundo de la moda y de la publicidad

Philipp Weber, a través de su arte, cuenta las historias que lo conmueven, utilizando un estilo hiperrealista. El realismo, el pop, la composición y el intento de encontrar una verdad interior determinan el enfoque del artista. Quien coloca a las mujeres en el centro de sus obras cíclicas. Representa la artificialidad y los clichés del mundo de la moda y la publicidad. Weber da vida a sus modelos, liberándolos de la artificialidad y rigidez de la imagen maestra, exponiendo irregularidades en aparente perfección y revelando aspiraciones y grandes sueños.

Una publicación compartida por Philipp Weber (@philippweberartist) el 26 de Oct de 2015 a las 7:38 PDT

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Esta pintura fue creada a finales del siglo XV y junto a “La primavera”, otra de sus obras resaltantes se expusieron por primera vez en la galería de los Uffizi en Florencia en 1815. Las cualidades estilísticas que tiene la distinguen del resto, pero el contexto en el que se encontró también favoreció a su magnífico trabajo.

La creación basada en la mitología griega y romana

No se conoce la fecha exacta de la creación de esta obra, pero se aproxima que fue entre 1482 y 1485, a menos de media década de que inicie el Alto Renacimiento en Italia. Fue en esta época cuando Botticelli trabaja en Florencia e incursiona en temas como la mitología griega y romana, tras regresar de Roma, donde estuvo encargado de crear frescos en la Capilla Sixtina.

Debido a este nuevo interés en la iconografía antigua, es que se crean Primavera y El nacimiento de Venus. Estas pinturas fueron trabajadas en pintura temple que es hecho en base a pigmento y yema de huevo, pero el nacimiento de Venus se trabaja sobre lienzo, convirtiéndose en el primero de su tipo, a comparación de Primavera que fue pintada sobre panel.

Escenas de la vida de Moisés’ en la Capilla Sixtina

¿Qué personajes se encuentran en la obra de Botticelli?

En la pintura se puede ver a Venus recién nacida, desnuda de pie en una concha de vieira ampliada. La diosa romana asociada con el amor y la belleza está rodeada de tres personajes de la mitología clásica: Zephyr, el dios del viento, Cloris, una ninfa asociada con las flores y esposa del dios del viento y Horae, una diosa griega relacionada con las estaciones.

Los dos primeros personajes intentan empujar a la diosa romana con su respiración y Horae con una capa intenta cubrirla.

Venus

Zephyr y Cloris

Horae

Influencias en las que se basó la Botticelli

Algo característico de su trabajo es la influencia clásica que tenía, en aquella época, ésta era una de las pocas que mostraban este enfoque, con los temas mitológicos evidentes que se notaban y el desnudo femenino que no tenía hasta entonces precedentes.

Esta obra destacó por revivir los intereses mitológicos de la Antigüedad clásica a comparación de los también reconocidos artistas contemporáneos: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael que aunque también se notaron rasgos de inspiración clásica las obras de estos últimos, prevalecieron la iconografía cristiana.

‘La Venus de Milo’ (101 AEC) Foto: Bradley Weber

Botticelli escogió como tema a la diosa romana por ser un personaje muy popular en el arte antiguo incluida la Venus de Milo, la famosa escultura del S. I aC.

El nacimiento de Venus se destacó entre las otras por la aparición de mujeres desnudas que no se veían normalmente en el arte occidental, pese a que sí se muestran ejemplos en la pintura y escultura griega antigua. Fue después de Botticelli que se introducen nuevamente las imágenes femeninas tanto en el Art Nouveau como en el Postimpresionismo.

Actualmente influye en diversos campos artísticos

En la actualidad esta pintura tiene tal influencia que se ha tomado como guía en la fotografía de moda con mentalidad artística, en la belleza, con creaciones de peinados inspirados en los personajes de esta obra. Sin duda es reconocida con una obra de arte icónica que tiene un papel importante e indeleble en el arte y la cultura contemporánea.

Un dato que cabe resaltar es que la Galería de los Uffizi afirma que la escena tiene influencias de la Metamorfosis de Ovidio, el poema de Agnolo Poliziano, Stanzas y la más resaltante por la pose en la que se encuentra, la Venus Pudica.

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Por lo que se reconoce que las pinturas de este movimiento artístico forman parte del período más atractivo de la historia del arte.

Estos pintores se dan a conocer a partir de 1870 entre un gran escándalo por parte del público y de ciertos críticos.

Cabe resaltar que en esas épocas, las obras impresionistas parecían ser extremadamente modernas.

¿Quiénes fueron los 6 principales pintores representantes del impresionismo?

En el listado hablaremos de los artistas que tuvieron una cierta afinidad por las pinceladas rápidas y pictóricas, y un uso peculiar del color basado en los efectos de luz.

• Claude Monet y sus icónicas creaciones para el movimiento

Este artista es reconocido como el impresionista por excelencia, fue uno de los representantes del impresionismo más importantes. Tiene un especial interés por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas.

Adoraba plasmar los efectos de la niebla, el humo, los reflejos de las aguas o la luz solar.

Es importante mencionar que tras su obra “Impression, Sunrise”, que sale a la luz en la Exposición de los Impresionistas de 1874, surge el nombre del ahora popular movimiento.

Obras importantes de Claude Monet:

• “Los Nenúfares”, es un ciclo de pinturas al óleo compuesta por 250 piezas que ejecutó durante 30 años de su vida.
  
• “La Gare Saint-Lazare”, consta de 12 lienzos que representan la estación de Saint-Lazare en París, inspirado por el paisaje moderno de la ciudad de su época.

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• Edouard Manet: símbolo de rebeldía y renovación

Fue pionero en el concepto de emplear la vida cotidiana como tema, al igual que el gran Claude Monet.

La pieza más conocida y que generó un escándalo en la sociedad burguesa fue “Luncheon on the Grass” (el almuerzo campestre).

Se encargó de situar en pleno siglo XIX a desnudos femeninos junto a hombres. También, sobresale por retratar a una dama de compañía junto a su criada negra, entre otras escenas de la vida urbana.

Obras relevantes de Edouard Manet:

• ‘El bar del Folies Bergère’ pintado entre 1881 y 1882 retrataba el famoso cabaret de París que tuvo su máximo apogeo entre 1890 y 1930.

• ‘Omlympia’ realizado en 1863. Creó polémica, porque los desnudos en ese entonces solo se permitían en obras mitológicas.

• Pierre Auguste-Renoir: el pintor de retratos

Comenzó como aprendiz de pintor de porcelana, y a la par estudiaba dibujo en sus ratos libres. Con el paso del tiempo, a base de esfuerzo se convirtió en uno de los artistas más respetados de su época.

Sus representaciones se componen de color saturado e iluminado por la luz del sol moteada.

Si no pintaba grupos grandes, él optaba por plasmar a mujeres cuya belleza admirada

“Hay demasiada cosas desagradables en la vida como lo es sin crear aún más de ellas”, exclamó el artista.

Obras importantes de Pierre Auguste-Renoir:

• ‘Baile en la ciudad’ pintado en 1883, refleja a una pareja disfrutando de la música.

• ‘En la terraza’. Obra de 1881, retrata a dos mujeres.

• Edgard Degas: apego al retrato de féminas

El pintor disfrutaba al máximo retratar representaciones íntimas en interiores. Era algo así como si miraras a través de un agujero de llave.

Este interés sale a la luz en su colección de pinturas de ballet, tanto en los estudios como en el mismo escenario.

Por otro lado, también vemos que este artista introduce nuevos temas en lo que resalta el movimiento, por ejemplo: carreras de caballos.

No se limitó al mundo ‘elegante’, sino que también optó por pintar el cansancio.

Obras relevantes de Edgard Degas:

• “Jóvenes espartanos ejercitándose”, pintando entre 1860 a 1862. Actualmente situado en la Galería Nacional, Londres.

• “‘Mujer en la bañera'” creado en 1886. En la actualidad se encuentra en el Museo Hill-Stead, Connecticut.

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• Mary Cassatt: figura femenina clave del movimiento

Nació en Estados Unidos, pero viajó a Francia para formar su carrera artística. Fue reconocida por contemporáneos como Edgar Degas por su gran talento.

Llegó a convertirse en una figura clave del impresionismo, que era dominado por los hombres.

Sus temas favoritos fueron los retratos de mujeres y representaciones silenciosas de madres y niños atrapados en momentos cotidianos.

Sin embargo, una pieza que llama mucho la atención es la célebre “Little girl in a blue armchair” (niña en un sillón azul), que expresa a mujeres y niñas en un estado de reflexión solitaria.

Obras importantes de Mary Cassatt:

• ‘Dama en la mesa del té’ pintada en óleo sobre lienzo en el año 1884.

• ‘La fiesta de navegación’ pintado entre 1893 a 1894.

• Berthe Morisot: en la misma lucha que Cassatt

Berthe logró hacerse de un nombre en el mundo del arte gracias a mucho esfuerzo.

Se caracterizó por producir óleos y pasteles de pequeña escala en lienzos sin imprimar, otorgándole a sus piezas una apariencia distintiva, algo así como inacabada.

Tuvo una inclinación por favorecer los planos de tonalidad blanco, que destacan contra sus distintivos acentos negros audaces.

Debido a este peculiar enfoque, a menudo se le considera como la “colorista virtuosa” del impresionismo.

Obras relevantes de Berthe Morisot:

• ‘En la orilla del lago’ fue pintada en el año 1883 y retrata un paisaje colorido con dos damas.

• ‘Eugène Manet en la isla de Wight’ , obra de 1875 que actualmente se expone en el Museo Marmottan Monet, París.

Estos 6 principales pintores se impusieron como los representantes del impresionismo por el empeño en todo momento.

No cabe duda que sus obras seguirán siendo fuente de inspiración para nuevos movimientos artísticos.

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Su obra más conocida es “Los nenúfares” (en francés ‘Les nymphéas’), un ciclo de pinturas al óleo compuesto por 250 piezas que ejecutó el artista los últimos treinta años de su vida.

Ejecutó alrededor de 30 óleos padeciendo de cataratas, lo que hacía que vea tras un filtro borroso y amarillento.

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El nacimiento de una idea que traspasaría la historia

Tras los numerosos viajes que realizó para inspirarse, en 1890 decidió comprar una casa en Giverny, que contaba con un estanque artificial rodeada de flores en el jardín, en donde crecían los nenúfares.

Cabe resaltar que Claude Monet mandó construir un puente de estilo japonés donde estaban situadas están plantas.

Esta área fue su principal fuente de ideas por lo que le dedicaba un cuidado especial como aumentar la temperatura del agua del estanque y construir presas provocando la indignación de los habitantes de la localidad.

En cuanto al ‘estilo’ de la composición de Claude Monet se ha dicho que es tan libre que está a un paso de la abstracción, inspirando a pintores como Cezanne, Braque o el grandioso Picasso.

El ciclo de ‘Nenúfares’ se caracteriza por:

• Pinceladas caligráficas
• Combinaciones de colores armoniosas
• Sin línea del horizonte
• Poca o casi nula profundidad espacial

Claude Monet estratégicamente incluye reflexiones de los árboles y las nubes en la superficie del agua, para crear de una forma bastante hábil una sensación de profundidad ofreciendo una extraña e inusual vista al resto del paisaje.

Un deseo de mostrar la evolución de las plantas acuáticas

Un dato bastante curioso fue que las pinturas de este artista se realizaron en paneles alargados de 220 cm de alto y 600 cm de ancho, algo así como el formato que utilizan los publicitas para los carteles publicitarios.

La razón del tamaño se debe a que el artista tenía la idea de colocar los paneles en una estancia circular de 360º modo que el espectador logre observar la evolución de dichas plantas acuáticas en los diferentes momentos del día, pero sobre todo los cambios que se producían por el paso de las estaciones.

La nueva capilla sixtina del impresionismo

Además, el pintor quería que los visitantes se sumerjan totalmente en la obra que estaban apreciando y olvidar al mundo exterior.

Un dato relevante en cuanto a su carrera es que tuvo una etapa en la que se dedico únicamente a pintar plantas, reflejos en el agua de los sauces y el agua en sí.

También es  importante destacar que esta obra tan reconocida alrededor del mundo ha sido calificada como “la capilla sixtina del impresionismo”.

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En sus últimos años, Claude Monet se encargó de destruir por cuenta propia varias de sus pinturas pues no quería que obras sin terminar, bocetos y borradores, entraran al mercado del arte, como en efecto sucedió después de su sensible fallecimiento.

En la actualidad, 8 de los valorados y famosos nenúfares del reconocido artista impresionista están colgados en salas ovaladas dentro del Museo de Orangerie de las Tullerias de París.

Otras 22 obras que se realizaron entre 1920 y 1926, fueron donados por él mismo al Estado Francés.

Si te gusta el tema de la pintura, este artista es un ícono del cual te podrías inspirar, incluso su casa y jardín son abiertos para el público.

Datos curiosos que no conocías sobre “Los Nenúfares”

• Estos cuadros no existirían si el artista hubiera obedecido al Consejo de Giverny

El pintor importó estas plantas acuáticas desde Egipto y América del Sur, lo que molestó a las autoridades de su localidad, quienes exigían eliminarlas antes de que envenenaran el agua de toda la zona.

• Monet celebró el final de la Primera Guerra Mundial con esta obra 

Al día siguiente del ‘Día del Armisticio’ en 1918, el artista prometió a su patria un “monumento a la paz” en forma de enormes pinturas de nenúfares.

• Las pinturas que conforman la serie fueron duramente criticadas

Las obras de este ciclo no fueron valoradas por la crítica de la época, incluso fueron consideradas como desordenadas ya que era fruto de la visión borrosa de Monet.

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Ya que muchos de ellos son autodidactas y no han recibido ningún tipo de técnica o estilo, solo tienen su arte como principal herramienta.

Si tú eres uno de ellos, que a través de tus dibujos despiertas sensaciones, pero quieres perfeccionarte y saber alguna que otra técnica, tienes que seguir leyendo este artículo.

Los mejores 10 libros que todo dibujante definitivamente debe tener

1. Bloque Creativo, de Danielle Krysa

El libro de Danielle recopila la historia de 50 artistas que cuentan cómo superaron el bloqueo creativo, que todo artista tiene, y volver a tener esa inspiración fresca y actual.

Está graficado con diversas imágenes, para darle un sentido más dinámico a tu lectura.

2. Arte y miedo, de los mejores libros de dibujo artístico de David Bayles y Ted Orland

Arte y miedo es perfecto si eres uno de esos dibujantes introvertidos, que realizan grandes cosas, pero siempre cree que no es suficiente.

Aquí encontrarás la seguridad para dejar tus miedos atrás y que al terminar cada obra sepas que es perfecta e inigualable.

3. Arte/ Trabajo, de Heather Darcy

Cuando se comienza una carrera y esta va dando frutos, se ve reflejado en cuanto la gente aprecia tu trabajo y quiere ayudarte a crecer.

Este libro te ayudó con todo lo que es contratos, documentación, galerías y ventas; todo para que sepas administrar y ganas lo justo por tu trabajo.

4. El arte de dibujar animales, de Ken Hultgren

Te guiará por toda la anatomía de los animales, para que los retrates tal cual y son todas sus partes.

Te enseñará a dibujar desde las orejas hasta las patas. Perfecto si eres un principiante, en cuanto a animales se refiere.

5. Dibujo figura, de Michael Hampton, uno de los mejores libros de dibujo artístico

Lo mejor para dibujar a personas a través de figuras. Te simplifica todo, haciendo que esta técnica (considerada sumamente difícil para muchos dibujantes) sea la más fácil del mundo.

6. Color y Luz, de James Gurney

Más que un simple texto, es una guía para pintores y dibujantes de estilo realista.

En el cual se explica el uso de colores que deben tener tus bocetos, de acuerdo a la categoría que pertenezcan. Definitivamente, un libro que todos deben tener.

7. Perspective Made Easy, de Ernest R. Norling, uno de los mejores libros de dibujo artístico

Si quieres incursionar en el estilo de la perspectiva, este libro es para ti.

Está hecho para principiantes, donde indica las reglas básicas y los principales trucos para que los dibujos salgan a la perfección.

8. El color, de Betty Edwards

El color es de la misma autora de” Dibujar con el lado derecho del cerebro” (Si no sabes de qué hablo te dejo un link para que sepas de qué trata). Quiere decir que este es otro éxito rotundo.

A diferencia del libro anterior, aquí aprenderás a dominar la combinación de los colores, mediante técnicas que imparte la Doctora Edwards en sus talleres. En las cuales encontrarás ejercicios ilustrados para que tengas un óptimo aprendizaje.

Está hecho para que los pintores y dibujantes se den cuenta de que la luz realmente afecta la visualización de los colores.

9. El Retrato, de Giovanni Civardi, uno de los mejores libros para dibujantes

Su nombre lo dice, te enseña a dibujar retratos (rostros y figuras). Para que puedas reflejar los rasgos de los rostros a la perfección.

10. Dream Worlds, de Hans Bacher, uno de los mejores libros de dibujo artístico

Y finalmente, tenemos a Dream Worlds, el cual es utilizado por dibujantes del siglo XXI y con la tecnología en sus manos.

En él encontrarás cómo se realiza la preproducción, en cuanto a animación e ilustración.

Pero no todo queda ahí, va más allá del diseño gráfico. Te da tips sobre la composición del arte, cómo aterrizar tus ideas y crear guiones gráficos y de colores.

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Cómo iniciarse en la pintura de acuarela 

Iniciarse en la pintura de acuarela como principiante puede ser un poco complicado. Sin embargo, las acuarelas son un excelente medio para expresar tu creatividad. Para iniciar en la acuarela para principiantes no necesitas mucho. Solo requieres de pintura, papel, algunos pinceles y tips para aprender poco a poco sobre las diferentes técnicas.

Asegúrate siempre de adquirir implementos de la mejor calidad que puedas pagar. Ya que, te darán el mejor comienzo en la pintura de acuarela y durarán una larga vida. Además de comprar los materiales básicos, también necesitarás encontrar un espacio con una iluminación adecuada. La luz natural te hará sentir tranquilo y feliz antes de comenzar a pintar. 

Ten en cuenta que existen muchos recursos virtuales que te ayudarán a iniciarte en la pintura de acuarela. Incluso puedes seguir tutoriales en la comodidad de tu hogar para iniciar en la acuarela para principiantes.

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Desde maquillaje de fantasía y caracterización; hasta 3D y Cosplay, conoce a las artistas mujeres más destacadas en Body Paint artístico y algunas de sus mejores obras.

Mientras que; antiguamente, los hombres aplicaban pintura a su cuerpo como una forma de reforzar su identidad y de diferenciarse entre comunidades; algo que todavía prevalece en algunas culturas indígenas, hoy en día la pintura corporal es considerada un arte.

El body paint artístico no sólo se trata de usar la piel de un modelo como lienzo; sino también de poder utilizar las formas de un cuerpo como herramienta de diseño. Por otro lado, busca resaltar; no sólo la belleza del diseño sino también se resalta la interpretación por parte del modelo en cuestión; además de un buen trabajo en equipo en el que existe mucha paciencia y dedicación de por medio.

En el mundo del arte existen muchas mujeres dedicadas a esta increíble profesión. Desde maquillaje de fantasía, caracterización, arte corporal tridimensional hasta cosplay, en este artículo podrás conocer a las artistas mujeres más destacadas en Body Paint artístico y algunas de sus mejores obras.

Kay Pike

Kay Pike es una artista profesional, modelo y body Painter. Considerada como una de las artistas mujeres más destacadas en Body Paint artístico. Es una de las artistas más completas, puesto que dibuja, pinta y esculpe desde una edad muy temprana.e dibuja, pinta y esculpe desde una edad muy temprana.

Geek.com | Kay Pike

Actualmente conocida por su trabajo de cospainting; es decir, pintura corporal dedicada al cosplay. Comenzó a dedicarse  a ello, luego de haber practicado ‘a modo de hobbie’ durante un par de años.  Kay cuenta con su propio canal en youtube en los que presenta tutoriales sobre sus diversas caracterizaciones.

Visual News | Kay Pike

Lo que caracteriza su trabajo es el acabado de cómic que poseen sus obras. Por otro lado, muchos halagan la personalidad de esta artista, quien nunca deja de sorprender a sus seguidores con sus divertidos e impresionantes tutoriales.

Casters Clips | Kay Pike

Alexa Meade

Artista estadounidense reconocida por su trabajo de pintura corporal 3D. Alexa; a través de un juego de luces, sombras y texturas, crea toda una obra de arte; desde fondo, utilería y modelo, en donde el 2D y el 3D se fusionan para crear una impresionante ilusión óptica.

Alexa Meade | Workshop

Esta es una de las artistas mujeres más destacadas en Body Paint artístico gracias a que lleva esta profesión a otro nivel gracias a su trabajo; tanto en el modelo, como de la puesta en escena.

Alexa Meade | Workshop

Ha sido contratada no sólo para exposiciones sino también para algunos cortos o videos conceptuales como el que viene a continuación.

Jon Boogz | Color of reality

Justin Jung Video & Photography | Alexa Meade

Emily Anderson

Reconocida artista en el medio gracias a su trabajo; no sólo como body painter, sino también por sus caracterizaciones y FX. Realiza maquillaje de fantasía como caracterización de personajes de terror y heridas.

emilyandersonmua.format.com | BP Projects

Actualmente vive en Hollywood y ha trabajado como Make Up artist en Cinema Makeup School.

emilyandersonmua.format.com | BP Projects

Sus trabajos van desde monstruos salidos de su imaginación y personajes de cómic como Deadpool, hasta el mismo Leonardo DiCaprio en ‘El Renacido’.

Fiorella Scatena

Reconocida artista italiana; sobre todo, tras haber ganado el premio a mejores efectos especiales en el Festival mundial de Body Painting en el año 2013 al pintar a una mujer como el personaje de ‘Alien’.

Fiorella Scatenna | Make up artist

Miembro activo de la Asociación Mundial de Pintura Corporal, hoy colabora como artista de maquillaje al servicio de numerosos fotógrafos y clientes particulares, y es invitada como Body Painter para lugares prestigiosos, eventos de moda, programas de televisión y espectáculos internacionales.

Natalie Fletcher

Esta artista estadounidense es conocida por mezclar los cuerpos en la naturaleza. Además, los dibujos en 3D que plasma en los cuerpos son realmente impresionante. Considerada como una de las artistas mujeres más destacadas en Body Paint artístico.

artbynataliefletcher.com | Natalie Fletcher

Estas mujeres, a través de diferentes estilos; pero todas con la misma capacidad de talento, creatividad y autenticidad, nos demuestran que el Body Paint es un arte maravilloso que debe seguir evolucionando con el paso del tiempo.

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“Belleza, erotismo y lujosos accesorios nos presentan las fotografías de Inge Prader” 

Inge Prader, fotógrafa Austriaca, quiso recrear las pinturas de Gustav Klimt; su compatriota, usando modelos reales a través de sus fotografías. Esto debido a que la estética de tipo ‘Art Nouveau’ basada en líneas curvas, con influencia en el diseño y la arquitectura, le parecía muy inspiradora.

Prader no fue la única que se sintió inspirada por estas pinturas, pues también muchos  artistas y arquitectos se sintieron motivados a realizar nuevos proyectos gracias a estas pinturas. Tal es el caso del ‘Gaudi de Barcelona’, quien, gracias a la sensación que estas pinturas le generó, decidió crear obras ornamentadas y ricas que reflejaban el optimismo de la época.

‘Beethoven Frieze’

Las escenas de estas fotografías, están basadas en la ‘Fase Dorada’ de Klimt de 1899 al 1910. Las fotografías nos demuestran el arduo trabajo que tuvo que realizar; tanto Prader como su equipo de producción. Empezando por aguantar tantas horas de trabajo seguidas, la preparación de vestuario, utilería, maquillaje.

Además; en algunas de las fotografías se puede observar que ha habido también, un trabajo de caracterización a través de prótesis. Por otro lado, se rescata el trabajo de dirección y la interpretación de los modelos ya que los resultados son increíbles y se asemejan bastante a las pinturas originales.

‘Death And Life’

Por otro lado, podemos ver cómo  entre: tonos dorados, escenas ocasionalmente eróticas, desnudos, cuerpos entrelazados, y rodeados de ornamentos de oro; los lujos, la belleza y el erotismo salen a flote un poco por encima de las pinturas originales que presentan una ‘decadencia cálida’.

Las fotografías fueron tomadas para Life Ball. Un evento realizado en Vienna con el fin de recaudar fondos para ayudar a combatir el SIDA / VIH.

“Belleza, erotismo y lujosos accesorios nos presentan las fotografïas de Inge Prader”

‘Danae’

‘Beethoven Frieze’

‘Medicine’

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‘Beethoven Frieza’

‘Mars & Sacrani’

‘Poetry & Genius’

‘Beethoven Frieze’

‘King Midas’

‘Flora y Pan’

‘Beethoven Frieze’

‘The Golden Fleece’

‘Beethoven Frieze’

Imágenes: Bored Panda

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La proporción áurea desde sus inicios

El concepto de proporción áurea viene desde miles de años. Por ejemplo, si nos damos cuenta de las obras o infraestructuras antiguas, vemos que la Gran Pirámide de Guiza, Egipto o el Circo, uno de los lienzos de Georges Seurat tiene un color predominante que es la proporción áurea. Ahora, vemos que este tono está siendo utilizado para el marketing, logos, sitios web y en más materiales visuales para las marcas.

El circo de Georges Seurat

Otras personas también señalan que la proporción áurea está en el Sacramento de la Última cena, cuadro de Salvador Dalí; la Creación de Adán, un lienzo de Miguel Ángel, entre otros lienzos de la Edad Contemporánea.

Definición de la proporción áurea

La proporción áurea surge de la relación de un segmento A y un segmento B. El segmento A es más largo que el B, mientras que la longitud total de la recta es, al segmento A como el segmento A es al B.

Otros la relacionan con la ecuación o la letra griega conocida como pi, que en número es 1,61803398875. Algunos señalan que tiene una serie interminable de dígitos que no se repiten y no puede expresarse en fracción.

Fuente: Shutterstock

La proporción áurea en la naturaleza

Algo que se relaciona con la proporción áurea es la “espiral dorada”, que se crea dibujando un arco continuo que se mueve a través del rectángulo de oro. Pero, en la naturaleza se puede encontrar que hay objetos con proporción divina como las conchas marinas, pétalos de flores, conos de pino, cabezas de semillas, entre otras.

Fuente: Shutterstock

Estos diseños e ilustraciones han llamado la atención de muchos por estas peculiares cosas. Conoce más sobre esto en los siguientes artículos:

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La proporción áurea en el ser humano

Si la proporción áurea tiene vínculos con la naturaleza, también lo tiene con el ser humano. Por ejemplo, nos damos cuenta que el cuerpo humano tiene algunos tonos de dorados. Por ejemplo, de las proporciones del brazo hasta la cara de la Mona Lisa tiene tonos y secciones dorados.

Muchas personas se han preguntado hasta que nivel se puede percibir la belleza facial de la proporción dorada. Según algunas teorías, se dice que si se calcula el ancho de la longitud del rostro humano y se divide por la longitud del ancho, se obtiene el número más cercano que nos puede indicar que la cara tiene índices áurea, por lo tanto, esa cara es hermosa.

Fuente: Shutterstock

La proporción áurea en el diseño

Como decíamos, la proporción áurea  está siendo utilizada para las páginas web, los anuncios, las portadas de las revistas y las ilustraciones. Esto es un gran ejemplo de que áurea se puede usar para guiar la colección de objetos, la forma de logotipos, entre más objetos.

Contenido y Diseño web

En diseño web, la proporción áurea se puede aplicar a dónde y cómo se coloca las columnas de texto. Es decir, si una página representa un amplio bloque de contenido a la izquierda con una columna más estrecha a la derecha, esto atrae al visitante, y podrás resaltar lo más importante.

Además, puedes crear un ancho de 960 píxeles, la columna izquierda debe tener 593 píxeles mientras que la derecha debe tener 367 píxeles de ancho.

En algunas páginas web, vemos que estas tienen proporciones áureas que ayudaran a navegar al usuario por el contenido audiovisual, fotográfico y textual. Algunos ejemplos de estos sitios web son Fast Company o BuzzFeed, en donde el diseño de dos columnas muestra el contenido relevante.

La proporción áurea en la fotografía

La proporción áurea también tiene un lugar en la fotografía. Cuando se toma una imagen, pensamos en la composición que esta va a tener, dándole un encuadre interesante. Aquí se puede cumplir con la espiral de Oro, enfocando la imagen en la curva del espiral, creando así una composición más atractiva.

Fuente: Shutterstock

Regla de los tercios: Sin embargo, hay otro enfoque de la composición fotográfica que es la Regla de los tercios. Aquí se puede colocar los puntos de interés en las intersecciones de las líneas, y obtendrá una fotografía equilibrada.

Fuente: Arte

Fuente: Sofia Zhuravetc

Según la Dnews de Discovery Communications, señala que con la proporción áurea, hace que las imágenes sean más equilibradas y las hace más naturales. En cambio, con la Regla de los tercios, la fotografía puede notarse forzada y demasiada compuesta.

Fuente de información: Shutterstock

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Isabelle empezó a apreciar el arte desde muy joven pues su madre es pintora. “Ella nos dio pinceles y brochas cuando mi hermana y yo éramos muy jóvenes”, cuenta. “Y nos enseñó cómo dibujar y pintar. ¡Lecciones privadas!”

Para Isabelle, las fotografías constituyen una importante fuente de inspiración. Tanto sus fotografías propias como las que ve en revistas o en Internet. “Especialmente cuando se trata de retratos de mujeres, naturaleza, placeres de la vida, plantas y cosas simples”. De hecho, las pinturas de Isabelle siempre empiezan con una emoción al ver una foto. Y el papel es su mayor fuente de inspiración.

El color también es una inspiración para ella. “Estoy más interesada en los colores que en el dibujo es por eso que uso la técnica del collage. Mis personajes están en papel para poder concentrarme en los colores”, comenta.

Joubert considera que el estilo que la define es la neofiguración. “Mis trabajos de arte son como sueños, inspirados por la realidad pero no exactamente como en el mundo real. La elección de colores es completamente instintiva y depende de mi temperamento o del clima”, dice.

Algunas de las referencias de Isabelle incluyen a David Hockney o Gustave Klimt “por su paleta colorida”. Sin embargo, sus más grandes referentes son artistas contemporáneos como Jill Ricci, “por su estilo de collage”, Titouan Lamazou “por sus retratos de mujeres alrededor del mundo” y Paolo Roversi como fotógrafo.

Joubert siempre pintó como un pasatiempo. No obstante, hace seis años,  empezó a vender sus pinturas y ha tenido exhibiciones en Francia, Suiza y Londres. “Después del nacimiento de mi hijo, quería cambiar de trabajo y encontrar algo más conveniente con mi nueva maternidad”, comenta.

Aunque Joubert ama la pintura y el arte, considera que es un trabajo duro. “Tienes que ser valiente para demostrar, a través de tu trabajo, tu profunda personalidad, tus sentimientos y emociones”, dice “Debes enfrentarte al ojo del otro y correr el riesgo de disgustar. Tienes que vivir con la incertidumbre sobre los ingresos y el éxito. Y convencer a tu familia de que es exactamente lo que quieres para tu vida y no eres completamente loco”.

 Finalmente, el consejo que Isabelle compartiría con quienes gustan del arte es: “Mira tantas exhibiciones como puedas, para alimentarte. Puedes ver exhibiciones en museos famosos, pero también en lugares pequeños cerca de ti.”, comenta. “Y todos los estilos”.

Puedes ver más de la artista en: Web | Behance

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Alice Lin aprendió a dibujar desde los cinco años. Esto lo aprendió de su maestra, que era una pintora tradicional, y artista de poesía y caligrafía. El dibujo era parte de su entretenimiento. Desde entonces, pudo desarrollar este talento.

Su ideas vienen de los sueños que tiene o de las cosas que vienen a su mente la noche anterior, o algunas veces son experiencias de su vida. Además, cuando camina por las calles y mira algunos anuncios de publicidad o en los escaparates, tiene algunas ideas aún más interesantes.

Para ella, el estilo que la define como artista lo puede explicar de muchas maneras. “Un ‘cartoony imageris’ proviene de una tierra de ensueño o imaginación, como los conejos, las cabras y hongos que son elementos abstractos”, explica Alice Lin. Por ello, sus trabajos expresan el mundo surrealista de la vida, de la curiosidad, la ansiedad y el deseo. Todas sus obras pueden conectarla con su vida interna, y descubrir algo dentro de nosotros.

Su trabajo usa como referencias a grandes artistas en la historia del arte. Sin embargo, cuando Alice Lin realiza su propia obras, no hay un modelo real en su mente, sólo deja aflorar su imaginación y creatividad.

Para Alice Lin, ser una artista ya es una experiencia increíble hasta ahora. “Al principio, no pensaba que iba a convertirme en una artista profesional en mi vida, pero no me detuvo a serlo. En el último año empecé a colaborar con galerías. El área de arte contemporáneo en China es 798, y estuve emocionada de ser parte de ella”, explica.

Para las personas que se sienten atraídas por la ilustración, Alice Lin sugiere que la cosa más importante es encontrar tu pasión y seguirlo lo que crees. “No intentes ser alguien más”, añade.

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Como todo niño, empezó a gustarle el arte, pero esto terminó siendo su pasión; y cuando salió de la escuela decidió seguir una carrera de marketing, y luego de 4 años, comenzó a lamentarse por estudiar una carrera que no lo apasionada. Hasta que descubrió el dibujo y el arte que lo ayudaron a crear un mejor artista.

Como artista, él señala que la inspiración para cada uno de sus trabajos está en todos lados. Forter se considera un fanático del diseño en movimiento, diseño gráfico y la fotografía. Agrega que sigue a blogs de arquitectura en Tumblr. Además, señala que tiene mucho interés en los edificios y estructuras que lo rodean que son una fuente de inspiración para su trabajo.

Además, señala que los videojuegos le proporcionan más ánimos de crear estas increíbles ilustraciones.

Aún no define cual es el estilo que lo define. Aunque Fortin señala que uno puede indicar que estilo lo define cuando ha realizado un trabajo por mucho tiempo, pero en su caso no sucede eso, pues cambia su trabajo. Su estilo puede cambiar mucho, y en los últimos años apunta a que su trabajo sea más estilizado.

Para crear sus ilustraciones, Fortin utiliza la vida real como referencia. “Trato de utilizar la vida real tanto como sea posible porque no puedes copiar esas cosas tal como son”, señala. A pesar de ello, tiene una lista de artistas que realmente admira como Jama Jurabaey y Richard Anderson, quienes son una gran fuente de inspiración para él.

A pesar que ha tenido deseos de abandonar el arte, siempre viene con más energía y determinación de crear nuevas cosas. Fortin señala que la disciplina en una de las características que lo ayuda a continuar con el arte.

Fortin recomienda que cuando uno empieza a tener interés por esta pasión, sólo háganlo. “Hay una cosa que noté cuando los artistas comienzan, y es cuando las personas le preguntar qué brocha usar, qué técnica, cuanto tiempo, donde estudió, como hacer esto, entre otras“. Para él, esas preguntas no importan mucho porque es el talento de alguien que puede animarlo a crear mejores dibujos, y aprenderá a encontrarse con uno mismo.

Créditos de imágenes: David Fortin 

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La Fundación Gala Salvador Dalí, es el centro que gestiona el legado del pintor español, y está presentado un recurso para evitar que el cadáver embalsamado sea examinado, solo para obtener de él una muestra de ADN y compararlo con Pilar Abel Martínez, la mujer que indica ser su hija.

Créditos de imagen: Terra/Twitter

En caso que no se evite la exhumación del cuerpo de Dalí, se llevará a la cabo este 20 de julio a las 9:30 horas, y una comitiva del Juzgado de Instrucción número 8 de Figueres podrá tener las muestras que se necesitan para comprobar lo que señala Abel.

El cuerpo de Salvador Dalí se encuentra en la cripta, situada debajo de la cúpula del Teatro Museo Dalí desde hace más de treinta años.

Créditos de imagen: El Diario de Yucatán

La Fundación son los herederos del pintor que falleció en 1989. Los abogados de este grupo han presentado varias alternativas para que no se lleven la exhumación del cuerpo de Dalí. A pesar de ello, no se oponen que se realicen las pruebas, pero aclaran que hay otras posibilidades de extraer material genético antes exhumar.

Por ejemplo, la Fundación propuso que también se obtuviera el material genético del hermano de Abel, y si se comprueba que él y su hermana tienen la misma carga genética, entonces no habría duda que son hijos del mismo padre y madre, y por lo tanto, el pintor no tendría ningún parentesco con la mujer.

La alcadesa de Figueres se opone a exhumar el cuerpo de Dalí

Pero la exhumación del cuerpo del artista tendría otro inconveniente. La alcaldesa de Figueres, Marta Felip, ha señalado que es imposible exhumar el cuerpo de Dalí por problemas técnicos. Ella indicó que el lugar donde se encuentran los restos del pintor es propiedad de la Municipalidad, y está protegido.

Créditos de imagen: Europa Press

Para realizar alguna intervención en el lugar se necesita el permiso de Patrimonio de la Generalitat y del Ministerio de Cultura. Aunque Felip señala que “no hay tiempo para elaborar un proyecto de obra” y conseguir todos los permisos para levantar la losa, que pesa 1,5 toneladas.

Por su parte, Abel se presentó en el Instituto Anatómico Forense en Madrid, donde se tomó varias muestras de saliva para  la prueba de ADN. Ella señaló que es un paso esencial, ya que necesita que se sepa la verdad. Su abogado, Enrique Blázquez, señaló que se opondrá a la muestra de ADN al hermano de Abel porque esto alargaría el proceso que lleva casi dos años.

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El portal de noticias, CNN, envió a Bill Hennessy, un artista que dibujó algunos lienzos para la pared del Tribunal Supremo. Él estuvo presente el viernes en la Casa Blanca, recreando la escena de la conferencia de prensa del secretario Sean Spicer. Hennessy estuvo observando el panorama desde la parte posterior de la sala de reuniones.

Fuente: CNN

La idea de dibujar la escena de la conferencia de prensa es crear un lienzo para las personas que no pudieron estar presentes en la sala de reuniones. Al lado derecho del boceto hay una cámara, que se apagó durante la sesión del viernes. Así como este equipo periodístico, muchas otras no se hicieron uso porque quedaron prohibidas las grabaciones en el interior del lugar.

Fuente: CNN

Este artista ha creado lienzos para la Sala Tribunal de la sede de Washington por cuatro décadas. Además, ha recreado escenas como el procedimiento de destitución de Clinton, audiencias de los detenidos de Guantánamo, entre otros.

Fuente: CNN

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Antes de que tuviéramos la guía de colores de Pantone, no había algún sistema que nos ayudara a identificar los colores. Hubieron muchos intentos por hacerlo, pero probablemente, quien haya pintado la primera Pantone a mano fue el artista conocido como A. Boogert, quien pintó una impresionante pieza que muestra la variedad de colores.

El autor holandés del libro “Traité des couleurs servant à la peinture à l’eau” fue la guía de colores de 800 páginas donde se mostraba diversas de colores, y quizás haya sido la pieza artística más completa de colores en esos tiempos. Además, contaba con descripciones, e instrucciones de cómo crear matices, y enseñaba cómo cambiar el tono mediante algunos componentes como el agua.

El historiador Erik Kwakkel, tuvo la oportunidad de revisar y examinar cada página de este libro. Él señala que mientras lo traducía, llegó a la conclusión de que este impresionante libro fue creado como una guía didáctica. Lamentablemente, sólo hay una copia de él y, probablemente, poquísimas personas hayan sido privilegiados de aprender de sus conocimientos.

Ahora, el libro se encuentra en la Biblioteca Méjanes en Aix-en-Provence, Francia.

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Lo que a ella la inspira son los colores y las formas que la rodean e intenta capturarlo para posteridad, utilizando materiales como acuarelas, gouache, pasteles, acrílicos, aceites y lápices de colores. Karen ha crecido rodeada de artistas, por su madre pintaba usando óleo y fue ella quien la guió por el camino del arte. En la universidad, estudio Diseño y Dirección de Arte y ha sido ganadora del Premio Hoover Arts Alliance de la Alabama Pastel Society.

Sus pinturas las vende a través de su tienda en Etsy y puedes visualizar su trabajo en su cuenta de Instagram

Coca Cola hecha con acuarelas

Gato en miniatura hecho con acuarelas

Mini canguro hecho con acuarelas

Jirafa realizada con acuarelas y gouache

Pintura realizada para el Kentuck Art Festival

Pikachu hecho con acuarela

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Tiene un canal de Youtube en donde comparte distintos tutoriales para que sus seguidores también aprendan a pintar. Pueden saber cómo dibujar gotas de agua, grandes arañas, cuadros brillantes y muchas cosas más que a simple vista no parece difícil de hacer. Sus trabajos también pueden ser vistos en su cuenta de Instagram

Mandalas

Harry Potter

Pizza

Araña realista en 3D

Arcoiris 

Lata de Pepsi realista

Arcoiris en el espacio

Gotas de agua

Mariposas

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Para visualizar mejor y disfrutar los colores de cada de uno de sus paisajes, las personas que dibujan siempre están como siluetas negras. Todo lo que sabe hacer lo ha aprendido por ella misma, sin asistir a alguna escuela de escuela. Es una artista autodidacta que cada vez va experimentando más y desafiando su talento para mejorar en su técnica.

Para ver más sobre su trabajo, se puede acceder a su cuenta de Instagram, en donde comparte sus fantásticos dibujos a sus más de 365 mil seguidores.

“Déjalos volar esta noche”

“Haz que tus sueños se conviertan en realidad”

“Entrégale a alguien algo de felicidad”

El lobo y la chica

“Esperando el amor”

“Bajo las estrellas”

Soñando

“Quédate cerca de las cosas que hacen sentir feliz por estar viva”

Cielo colorido de estrellas

Chica de verano

“Las estrellas no pueden brillar si no hay oscuridad”

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