Acceso al panel Párrafo

El panel Párrafo de Adobe Illustrator se utiliza para cambiar el formato de columnas y párrafos. Este tiene atributos que se aplican a un párrafo entero, como alineación, sangrías y separación de guiones. Para abrir este panel, vaya a ventana > Texto > párrafo. Además, para ver opciones adicionales en el panel Párrafo, haga clic en el triángulo de la esquina superior derecha del panel.

Alinear texto en el Párrafo de Adobe Illustrator

Métodos de alineación en el panel Párrafo de Adobe Illustrator:

• Alinear a la izquierda: Alinear texto a la izquierda

• Justificar con la última línea centrada: Los bordes derecho e izquierdo son rectos, con la última línea centrada.

• Centrar: Alinear texto con centro.

• Justificar con la última línea alineada a la izquierda: Los bordes derecho e izquierdo son rectos, con la última línea alineada a la izquierda.

• Alinear a la derecha: Alinea el texto a la derecha.

• Justificar con la última línea alineada a la derecha: Los bordes derecho e izquierdo son rectos, con la última línea alineada a la derecha.

• Justificar todas las líneas: La última línea se estira todo el ancho de la columna, sin importar cuán corta sea.

Sangría en el Texto de un párrafo de Adobe Illustrator

La sangría es la cantidad de espacio entre el texto y el límite de un objeto de tipo. En realidad, afecta solo al párrafo o párrafos seleccionados de Adobe Illustrator. Asimismo, los métodos de sangría en el panel del Párrafo son:

• Sangría izquierda: Sangrías del lado izquierdo de la columna de texto.

• Sangría derecha: Sangría del lado derecho de la columna de texto. La siguiente figura muestra un ejemplo de sangría derecha.

• Sangría de primera línea: Sangría de la primera línea de cada párrafo de un texto en Adobe Illustrator. Así, cada vez que presiona la tecla Intro (Retorno), se crea este espaciado. Para producir un salto de línea y evitar la sangría de la primera línea, presione Mayús+Entrar (Mayús+Retorno).

• Espacio antes del párrafo: Inserte el cursor en el párrafo que desea cambiar. Luego, agregue el espacio antes del párrafo seleccionado.

• Espacio después del párrafo: Inserte el cursor en el párrafo que desea cambiar. Posteriormente, agregue el espacio después del párrafo seleccionado en Adobe Illustrator.

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Es por eso que te daremos una lista con los usos más importantes que se le da a la tecnología y el diseño gráfico en el arte. 

Lleva el mundo del diseño y arte a las impresiones 3D

Originalmente las impresoras 3D fueron creadas para la medicina y la ingeniería. Pero pensemos un poco más en el arte y como generar incentivarlo y darlos  conocer en todo el mundo, pues con esta tecnología se involucra ampliamente en el mundo del diseño y arte para obras de arte muy detalladas. Estas impresoras se empezaron a implementar desde el 2015 pero no fue recién hasta en los últimos 3 años que se dieron las exposiciones visión de la impresión 3D. Como la de “Imprimir el Mundo”, en el Centro Pompidou en Francia o la exposición realizada por la Fundación Telefónica que se centra en la posibilidad de la “Mutación/creación”, mostrando al mundo una nueva visión de la impresión 3D en el arte.

El diseño y arte digital nos permiten mostrar nuestros trabajos en redes sociales

Una de las formas más sencillas de utilizar la tecnología en el arte es permitir que los artistas exhiben sus obras de arte en línea. Las redes sociales se han vuelto particularmente populares para mostrar talento. Sin embargo, también ha ayudado en el desarrollo del arte digital .El diseño y arte digital presenta una forma única para que los artistas presenten su trabajo que representan muchas veces sus emociones y historias conmovedoras. 

Con el avance de la tecnología a los artistas se le hace mucho más fácil que sus creaciones sean conocidas en muchos países con el alcance que pueden llegar a tener en sus redes sociales e incluso crear su propio sitio web al estilo de un blog para contar un poco más de historia. 

Aplicaciones de tecnología y arte para los visitantes 

En esta parte se usará la tecnología y el arte de arte de una manera más interactiva para los usuarios, pues la tecnología puede ayudarnos a aprender más sobre arte. Los museos y galerías cada vez más cuentan con tecnología que educa a sus visitantes sobre cada exhibición. Muchos incluso cuentan con un guía turístico virtual, que permite a los visitantes usar auriculares mientras caminan por las galerías, lo que proporciona información útil e interesante.

Incluso hay una aplicación desarrollada llamada “Smartify”, que le permite escanear una obra de arte y ver todo tipo de información al respecto. Otras aplicaciones pueden proporcionar mapas interactivos, recorridos de audio y vídeos relacionados con las exhibiciones que se están viendo.

La tecnología artística en la realidad virtual 

Una pieza de tecnología artística en desarrollo que se está volviendo más frecuente en el mundo del arte es la realidad virtual. Mediante el uso de auriculares multisensoriales, los espectadores pueden ingresar a un entorno virtual y ver, así como interactuar con exposiciones de arte. Este es uno de los desarrollos más emocionantes, lo que le permite sumergirse realmente en el arte. Es un para muchas personas lo mejor para escapar a otro mundo, volviéndose así esta tecnología como una de las más emocionantes. 

Conclusión 

Como podemos ver, la tecnología se puede usar en el arte de muchas maneras diferentes. A medida que continúa desarrollándose, probablemente veremos que se integra aún más. El avance tecnológico beneficia de muchas maneras a los artistas ya sea para dar a conocer sus obras de arte con más personas o conocer personas relacionadas en el tema.

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Una de las técnicas para desarrollar la creatividad es creando una metáfora o analogía visual

Piense en una metáfora o analogía para el producto de su cliente como una de las técnicas para desarrollar la creatividad. Usa la energía creativa para crear imágenes de la metáfora o analogía en lugar de imágenes del producto. El objetivo de este ejercicio es seducir a los espectadores, no golpearlos en la cabeza con lo que el cliente está vendiendo.

Ejemplos:

1. Para mostrar que no se puede nutrir a todas las personas de la misma manera, haga una analogía visual con el cuidado de diferentes plantas.
2. Para mostrar qué tan ásperos pueden ser ciertos materiales, use cactus como metáfora para algo áspero.

Cómo estimular la creatividad haciendo un sonido

Atributo (la ilusión de) sonido a una palabra, composición o visual. El objetivo de este ejercicio es demostrar cómo estimular la creatividad y como el arte visual puede apelar a nuestros otros sentidos.

Ejemplos:

1. Elija una palabra onomatopeya, como “siseo” o “cluck”. Diseñe para que la palabra imite el sonido o la acción a la que se refiere.
2. Toma un visual y haz que parezca que el sonido emana de él.

Cómo incrementar la creatividad Fabricando

Combina objetos encontrados para expresar un tema como la vida o la muerte. El objetivo de este ejercicio es darse cuenta de Cómo incrementar la creatividad y que existen muchas formas de crear una imagen visual.

Ejemplos:

1. Encuentre diferentes materiales impresos, como papel de envolver o páginas de revistas y periódicos, y cree un collage que represente el origen de lo que se desea crear.
2. Vaya a un depósito de chatarra o mercadillo y encuentra diferentes objetos relacionados con un tema. Combínalos en una ilustración 3D y fotografíalos.

Cómo desarrollar la creatividad haciendo una comparación visual

Para saber cómo desarrollar la creatividad compara cosas opuestas una al lado de la otra, como un desierto y un lago. O compara cosas similares, como terciopelo y piel. El objetivo de este ejercicio es reexaminar el dispositivo visual de comparación tradicional.

Ejemplos:

1. Compare fotografías de primer plano de texturas como la ropa de cama y la lana de cordero.
2. Compara la arquitectura victoriana con una iglesia barroca.

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¿Qué es Adobe Illustrator?

La definición de qué es Illustrator, es clara. Ya que, se trata del programa de diseño ideal para crear piezas de arte digital incluido en Adobe Systems. También, viene a ser uno de los pioneros en el diseño vectorial. Principalmente, porque su plataforma cuenta con diferentes herramientas para elaborar distintas piezas gráficas en una mesa de trabajo. Es decir, están destinadas a ser utilizadas para una impresión, vídeos, publicaciones en redes sociales, portafolio, entre otros.
Cada una de estas piezas en mesas de trabajo se guardan en el formato ai. conocida como la extensión de Adobe Illustrator. Actualmente, forma parte del parque de Adobe Creative Cloud, el cual puede descargarse con los demás programas de diseño que ofrece esta plataforma.

Conoce toda la historia de Adobe Illustrator

El comienzo de la historia de Adobe Illustrator, surge con la creación de este programa en el año 1986, debido al éxito que tuvo el programa para impresoras Adobe PostScript en el año 1982. Sin embargo, su lanzamiento oficial se da en enero 1987, bajo el nombre de Adobe Illustrator 1.1. Desde un comienzo, estaría habilitado solo para el sistema Apple Macintosh, pero los creadores quisieron ir más allá.
Este programa, desde sus inicios, dio mucha curiosidad a los usuarios por las diversas herramientas con las que contaba en su plataforma. Es así, que con cada versión que han lanzado de CS3, CS4, CS5, CS6 y CC, han ido mejorando sus herramientas en el transcurso del tiempo. Por ello, a pesar de tener ya más de 30 años en el mercado, sigue siendo el programa número uno que los usuarios eligen.

La marca de presentación de Adobe Illustrator

Desde un comienzo la marca de presentación de Adobe Illustrator, fue muy llamativa. Primero empecemos con su nombre, el cual está compuesto por el nombre de la marca de la empresa “Adobe” y la palabra Illustrator, que en español significa “Ilustrador”.

Los creadores John Warnock y Luanne Seymour Cohen, eligieron la pintura “El Nacimiento de Venus”, del gran Sandro Boticelli, como la imagen del programa, que fue utilizada hasta la versión 10. Escogieron esta imagen por el fluido que tenía los rizos de venus en el retrato, ya que mostraba el potencial que ofrecía el programa, al tener un trazado de curvas suaves que ofrecen los gráficos vectoriales.

No obstante, con el pasar de los años fue dejándose de lado el rostro de la pintura en la aparición del programa y la caja del producto. En su lugar, se hizo énfasis en las nuevas funciones que brindaba en cada actualización a partir de la versión 10. Al llegar a esta nueva versión, la imagen fue reemplazada por la ilustración de una flor que tenía más relación con las nuevas versiones 11 y 12, las cuales ya pertenecían a Adobe Creative Suite, que era una plataforma que contaba con diferentes programas de la empresa Adobe.

Sin embargo, al actualizarse la versión de Adobe Creative 3, la compañía decide cambiar de imagen de presentación, por un diseño simple, que está compuesto por colores básicos y el texto AI (abreviación del nombre). Y a partir de ese año ha ido cambiando, solamente la tipografía o el color en las características de Adobe Illustrator.

La controversia de Adobe Illustrator con Macromedia FreeHand

En el año 2005, la compañía Adobe Systems, adquirió el programa MacroMedia FreeHand, una aplicación de ilustración vectorial, cuya compra le costó a la empresa $340 millones de dólares. Sin embargo, esta plataforma al tener un público cuando pertenecía a su antiguo dueño, Altsys, cayó por el simple hecho que ya no tenía nuevas herramientas. Además, que Adobe la seguía ofreciendo sin actualizaciones, ni nada nuevo, y los usuarios que querían utilizar este programa, se tenían que ver obligados a usar Illustrator.

Después de un tiempo y tras causar un poco de controversia entre los usuarios, en el año 2009, emitieron un comunicado en su sitio web oficial titulado “Adobe y el futuro de Freehand”, donde explicaron lo siguiente:

“No se han realizado actualizaciones de FreeHand en más de cuatro años y Adobe no tiene pensado iniciar un desarrollo para agregar funciones nuevas o compatibilizar Mac con tecnología Intel y Windows Vista. Para apoyar los flujos de trabajo de los clientes, seguiremos vendiendo FreeHand y ofreciendo servicio de atención al cliente y de asistencia técnica de acuerdo con nuestras políticas. Aunque reconocemos que FreeHand dispone de una base de clientes fieles, animamos a los usuarios a que utilicen el nuevo Adobe Illustrator CS4, que es compatible tanto con PowerPC y Mac con tecnología Intel, como con Microsoft Windows XP y Windows Vista.”

No obstante, este comunicado no sirvió de mucho, pues los usuarios fieles han seguido solicitando una nueva actualización. Incluso llegaron al punto de crear una comunidad web “Freehand libre”, para presionar a Adobe Systems, a entregar nuevas versiones o el código de fuente para que otras compañías, puedan traer de vuelta el programa. Sin embargo, luego de ciertas disposiciones y actualizaciones tecnológicas, los usuarios debieron empezar a implementar el uso de Illustrator en sus trabajos.

Historia de Adobe Illustrator

Illustrator, la primera aplicación de software de Adobe, fue lanzada en 1987 para Apple Macintosh. Entre sus características más significativas estaba su herramienta de lápiz, que permitía al usuario dibujar curvas suaves. Además de crear formas e imágenes de alta resolución. En 1989 Adobe lanzó Illustrator para computadoras personales con MicrosoftWindows.

Adobe también lanzó versiones de Illustrator para varios otros sistemas operativos durante la década de 1990. Incluidos NeXT, Silicon Graphics y Sun Solaris. Sin embargo, todas estas versiones fueron descontinuadas debido a las bajas ventas. Ya que, estos sistemas operativos no lograron obtener una aceptación generalizada.

La versión 4 fue la siguiente versión de Illustrator compatible con Windows. También, fue la primera versión en admitir la edición mientras estaba en modo de vista previa. Posteriormente,  Illustrator Versión 6 fue la última versión en estar centrada en Macintosh. Porque la interfaz en versiones posteriores cambió drásticamente para proporcionar una mayor compatibilidad con Windows.

En 2003, Adobe lanzó Adobe Creative Suite, que agrupaba Illustrator, Photoshop, InDesign y Acrobat. En 2013, Adobe anunció que las futuras versiones de Illustrator y su otro software estarían disponibles. A través de un servicio de suscripción a Internet. Este es Adobe Creative Cloud. Actualmente, la suscripción tiene un costo de 48,39 euros al mes.

Prueba gratuita de Adobe Illustrator

Una prueba gratuita de Adobe Illustrator está disponible en Adobe. Incluye todas las características y capacidades de la versión completa. Pero, la prueba gratuita dura una semana. Desde el momento en que el usuario instala el software y comienza a usar el programa.

Gráficos vectoriales en Adobe Illustrator

Una de las características más importantes de Adobe Illustrator es que la calidad de las ilustraciones creadas con Illustrator tienen una alta resolución. Es decir, una imagen generada en Illustrator se puede ampliar o reducir. Sin sacrificar la calidad de la imagen. Este es un atributo de la ilustración vectorial, que utiliza relaciones matemáticas, para describir líneas, arcos y otras partes de un ilustrador.

Un gráfico vectorial es un conjunto de polígonos que componen la imagen, que a su vez están compuestos por vectores. Cada vector pasa a través de una ubicación conocida como nodo o punto de control, que tiene una ubicación definida en los ejes x e y en un plano. Este nodo determina la trayectoria del vector.

Además, tiene varios atributos como color, curva, relleno, forma y grosor. Es más, la posición de los vectores se puede relacionar entre sí. A través de fórmulas matemáticas, que recalculan con precisión su posición cuando se cambia el tamaño de una imagen.

Cuáles son las características más importantes de Adobe Illustrator

Este increíble programa de ilustración y vectorización brinda diferentes funciones. Aquí, te contaremos las características más importantes de Adobe Illustrator. Así que, para sacarle mayor provecho a estas propiedades, puedes llevar un curso de Illustrator Creativo.

Controles para un diseño vectorial

Gracias a este programa, no debes escatimar al momento de trabajar diseños en base a vectores. Cuenta con características de Illustrator. Por ejemplo, diferentes pinceles pictóricos, los cuales puedes utilizar para realizar grandiosas piezas gráficas de arte digital.

Una tipografía más avanzada

Una de las grandes características de Illustrator, es la libertad de utilizar una infinidad de tipografías gratuitas de diferentes estilos. Además de poder agregarle efectos, cambiar el tamaño, el interlineado, la rotación, etc.

La perspectiva del dibujo vectorial

Gracias a sus cuadrículas, se pueden llegar a crear grandes figuras, escenas, imágenes y más, con una perspectiva lineal de 1 a 3 puntos. Además, es una de las características de adobe Illustrator, que tiene como función ayudar a crear figuras más realistas y con profundidad.

Un trazo más específico y atractivo

Illustrator ofrece diferentes funciones para personalizar el trazo, los guiones, los vectores, las líneas, los pinceles, y más. Solo es cuestión de que el diseñador deje volar su creatividad al momento de realizar su pieza gráfica.

Una increíble nitidez en sus gráficos

Con este programa, se puede llegar a diseñar diferentes piezas para cualquier tipo de dispositivo. Además, cuenta con una buena resolución. También, es compatible con los formatos de PDF, GIF, PNG y más.

Las ventajas y desventajas de usar Adobe Illustrator

Las principales herramientas de Adobe Illustrator

Este gran programa cuenta con una gran gama de funciones. Es así como te nombraremos las más principales herramientas de Adobe Illustrator.

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Qué son las técnicas de dibujo 

Las técnicas de dibujo son consideradas herramientas esenciales para empezar a dibujar. Con el tiempo, se han desarrollado varias técnicas que se basan en el manejo de diversos materiales, tales como: el carboncillo, lápiz, grafito, bolígrafo, óleos, entre otros. Sin embargo, no solo se caracterizan por el tipo de material usado. También pueden diferenciarse por el estilo y el lienzo empleado. 

Aprender a manejar estas técnicas de dibujo te ayudará a conseguir buenos resultados a la hora de dibujar. Ya que, son útiles para saber cómo plasmar los trazos y las líneas que conforman un dibujo. Solo necesitas practicarlas continuamente para volverte todo un experto. 

Cuáles son las técnicas del dibujo

Las técnicas de dibujo son muy diversas. Cada una de ellas experimenta con distintos materiales y superficies. Por eso, no todas pueden aplicarse en un mismo dibujo. Sin embargo, todas expandirán tus posibilidades de crear increíbles obras. A continuación, las técnicas de dibujo más usadas: 

Dibujo a lápiz, una de las técnicas de dibujo ideal para principiantes

Esta técnica es aplicada en dos etapas. En la primera, se dibujan las líneas guías o figuras básicas que formarán el esqueleto del dibujo. En la segunda, se realiza el sombreado del esquema del dibujo realizado inicialmente. 

Para llevar a cabo el dibujo a lápiz, existen distintas graduaciones de lápices. Estas volverán el trazo más o menos duro, influyendo directamente en el sombreado. De allí que, en algunos elementos, el sombreado otorgue mayor profundidad.  

Los sombreados se pueden realizar a través de un zigzagueo abierto con el lápiz, realizando líneas paralelas o líneas dispares. Otras formas de sombreado, casi nunca usadas, se realizan con el circulismo y el suavizado. Estas maneras de hacer sombras consisten en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo. El efecto de ambas le brindará otra apariencia a tus dibujos.

Conocer sobre los lápices especiales para dibujo también te ayudará a llevar a cabo, de manera profesional, la técnica de dibujo a lápiz. Los de formato estándar se utilizan a menudo para dibujar. Debido a que, estos vienen en una variedad de estilos y tamaños; y contienen minas blandas o duras. Cuanto menor sea el número del lápiz, más suave será la mina. Cabe señalar que las blandas son utilizadas para añadir matices y tonos, mientras que las más duras se utilizan para trazar los contornos.

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10 ingeniosos artistas crean magníficos mundos en miniatura

1. Christopher Boffol, conocido por su trabajo de mundos en miniatura

Christopher Boffoli, es un fotógrafo de arte, comercial y editorial con sede en Seattle, Washington. Sus fotos artísticas de personas en miniatura se han visto en más de 95 países y se pueden ver en galerías y colecciones privadas de todo el mundo. Conocido por su exitosa serie “Big Appetites”, en la que diminutas figuras humanas posan en ambientes de comida reales.

Usually, it is my goal to create images that portray food beautifully. But a recent assignment for Amtrak’s onboard magazine ‘The National’ required me to use a bruised apple for an article on CRISPR gene editing. #apple #bruise #CRISPR #geneediting #TheNational #magazine #Amtrak #bigappetites #christopherboffoli #efitorial assignment #scalejuxtaposition

Una publicación compartida por Big Appetites Studio (@bigappetitesstudio) el 1 de Ago de 2018 a las 9:07 PDT

Sushi tennis anyone? #sushi #tennis #nori #summerfun #competitive #miniatures #food #humor #scalejuxtaposition #art #photography #diorama #tinypeople #figures #realfood #cjboffoli #boffoli #christopherboffoli #bigappetites #wimbledon2018 #wimbledon

Una publicación compartida por Big Appetites Studio (@bigappetitesstudio) el 12 de Jul de 2018 a las 12:29 PDT

Several Big Appetites works (including Grape Harvest) will be part of a new exhibit opening in May at the Children’s Museum of the Arts in New York City. Running through September. So if you find yourself in NYC this summer check it out. http://cmany.org/exhibitions/view/scale-possibilities-perspective/ #grapes #grapeharvest #bigappetites #bigappetitesstudio #tinypeople #miniature #miniatures #food #fruit #scalejuxtaposition #harvest #winemaking #christopherboffoli #fineartphoto #chrisboffoli #photographs #cjboffoli #winstonwachterfineart #newyork #newyorkcity #NYC #museumexhibits #childrensmuseumofthearts #cmany. #downtown #fun #humor #color

Una publicación compartida por Big Appetites Studio (@bigappetitesstudio) el 18 de Abr de 2018 a las 8:47 PDT

2. Slinkachu, crea gente en miniatura en las calles de ciudades del mundo desde 2006

El trabajo de Slinkachu encarna elementos del arte callejero, la escultura, el arte de la instalación y la fotografía. Los mismos que han sido exhibidos en galerías y museos a nivel mundial. La perspectiva de su trabajo juega con el humor, su objetivo es alentar a los habitantes de la ciudad a ser más conscientes de su entorno. Las escenas que organiza son más evidentes a través de la fotografía y los títulos que le da a estas escenas.

‘Leisure Facilities For Youths’ 🍊 This was a 2016 mini-print. Who has the full mini-print set? My latest mini-print is out NOW at slinkachu.com/store (or link in my profile)

Una publicación compartida por Slinkachu (@slinkachu_official) el 19 de Jul de 2018 a las 12:01 PDT

Una publicación compartida por Slinkachu (@slinkachu_official) el 18 de Jul de 2018 a las 6:01 PDT

Una publicación compartida por Slinkachu (@slinkachu_official) el 17 de Jul de 2018 a las 12:48 PDT

3. Salavat Fidai es un escultor ruso que realiza figuras miniaturas del mundo en puntas de lápices

El artista Salavat Fidai trabaja principalmente con lápices, en donde realiza figuras miniaturas en las puntas de estos. Talla creativamente en el grafito creando las esculturas más pequeñas que hayamos visto. Cada escultura de lápiz Fidai whittles hecha a mano presenta detalles increíbles en una escala espectacularmente pequeña. Puedes visitar su página web para mantenerte al día con sus últimas creaciones. En su cuenta de Instagram podrás verlo tallar lápices en sus videos time-lapse.

Happy Fourth of July! 🎆 #independenceday

Una publicación compartida por Salavat Fidai (@salavat.fidai) el 4 de Jul de 2018 a las 7:14 PDT

I wishing you a happy Mother’s Day! ❤️ Thanks for loving us, Mom 👩‍👧‍👦

Una publicación compartida por Salavat Fidai (@salavat.fidai) el 13 de May de 2018 a las 5:47 PDT

FIFA World Cup ⚽️🏆

Una publicación compartida por Salavat Fidai (@salavat.fidai) el 14 de Jun de 2018 a las 6:48 PDT

4. Joshua Smith es un miniaturista y antiguo artista de estarcido

El artista de estarcido Joshua Smith, crea minúsculos modelos a escala urbana rica en detalles. Sus obras en miniatura se centran principalmente en los aspectos no tan atractivos de la vida en la ciudad. Como la suciedad, el óxido, la descomposición de los cigarrillos desechados y el grafiti perfectamente recreado en miniaturas a escala 1:20. Su trabajo ya se ha exhibido en galerías y ferias de arte en Londres, París, Berlín, San Francisco, Hong Kong, entre otros.

Una publicación compartida por Joshua Smith (@joshua_smith_street_artist) el 5 de Ago de 2018 a las 6:17 PDT

Una publicación compartida por Joshua Smith (@joshua_smith_street_artist) el 19 de Jun de 2018 a las 11:53 PDT

Una publicación compartida por Joshua Smith (@joshua_smith_street_artist) el 15 de Abr de 2018 a las 1:19 PDT

5. Tanaka Tatsuya fabrica mundos en miniatura caprichosos para figurines de juguete en la vida cotidiana

Tanaka Tatsuya es un fotógrafo y director de arte nacido en Kumamoto, Japón. Su trabajo ha cautivado por las encantadoras escenas que recrea en miniatura en dioramas que incluyen algunas veces personajes conocidos. El ingenio y creatividad de este artista japonés no ha dejado de sorprender y robar montones de sonrisas a todo aquel que tiene contacto con sus creaciones. Y es que, Tatsuya utiliza elementos de la vida cotidiana y los convierte en escenarios en donde participan sus pequeños personajes de maqueta. Miniature Calendar, un proyecto en que trabaja desde hace casi 5 años. En ese sitio podemos disfrutar de todos los dioramas donde combina su ingenio con los objetos más cotidianos.

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Una publicación compartida por 田中達也 Tatsuya Tanaka (@tanaka_tatsuya) el 4 de Ago de 2018 a las 7:35 PDT

Una publicación compartida por 田中達也 Tatsuya Tanaka (@tanaka_tatsuya) el 3 de Ago de 2018 a las 1:50 PDT

Una publicación compartida por 田中達也 Tatsuya Tanaka (@tanaka_tatsuya) el 2 de Ago de 2018 a las 3:26 PDT

6. Felix Hernández, crea autos de lujo con ingredientes de cocina

Félix Hernández es un fotógrafo y artista digital que crea fotografías asombrosamente realistas utilizando ingredientes de cocina y juguetes a pequeña escala. Hernández es el creador de una serie de imágenes para el Audi deportivo R8. Sus fotografías parecen tan publicitaria que podemos pensar que ha sido sacado de un tráiler de una película de acción. Cuando la realidad, es que todo es un trabajo en miniatura.

Una publicación compartida por Felix Hernandez (@hernandez_dreamphography) el 6 de Abr de 2018 a las 7:31 PDT

Una publicación compartida por Felix Hernandez (@hernandez_dreamphography) el 6 de Jun de 2017 a las 9:23 PDT

Una publicación compartida por Felix Hernandez (@hernandez_dreamphography) el 10 de Jul de 2018 a las 3:50 PDT

7. William Kass creador del proyecto en miniatura ‘Minimize’

El arquitecto y fotógrafo William Kass ha creado Minimize, una encantadora serie en la que toma figuras de juguete y las coloca en el mundo normal. Sus dulces composiciones van desde hombres que pescan sushi hasta una bailarina bailando en la fantástica fuente de un cabezal de ducha. Fiel a la forma, cada una de sus fotos es más caprichosa que la anterior.

The Others Project Repost 1/75 The list of my favorites. Pumpkin and Zucchini . . . #repost #myfavorite #pumpkin #zucchini #miniature #minimize #instagram #instagrambrasil #achadosdasemana

Una publicación compartida por William Kass (@theothers.project) el 24 de Feb de 2018 a las 6:47 PST

Um dia é da caça outro do caçador ! #caça #caçador #hunter #hunt #tiger #shaving #brush #myfavorite #instagram #instagrambrasil #achadosdasemana

Una publicación compartida por William Kass (@theothers.project) el 3 de Nov de 2017 a las 8:43 PDT

| Corn Stock | Estoque de milho | . . . #corn #stock #tinypeople #achadosdasemana #communityfirst #arts_help #instagram #instagrambrasil #edited #myfavourite #estoque #milho #corn #stock

Una publicación compartida por William Kass (@theothers.project) el 22 de Nov de 2017 a las 12:06 PST

8. Matthew Albanese, el artista que crea mundos en miniaturas increíbles

La fascinación de Matthew Albanese con la película, los efectos especiales, la magia del cine y la mecánica detrás de estas ilusiones, comenzó temprano. Durante los últimos cinco años, Albanese ha estado meticulosamente haciendo modelos muy detallados para su serie llamada Strange Worlds. Una de sus fotografías más alucinantes es la de una tormenta sobre un lago. El artista usó una pieza de plexiglás pintada de negro y grabó relámpagos sobre ella para que la luz pudiera pasar drásticamente.

6/10/13

Una publicación compartida por Matthew Albanese (@matthewalbanese) el 11 de Jun de 2013 a las 7:44 PDT

Miniature pirate ship sailing toward an erupting volcano for the short film #margaretandthemoon directed by #trevormorgan #miniatures #matthewalbanese

Una publicación compartida por Matthew Albanese (@matthewalbanese) el 8 de Ago de 2016 a las 9:18 PDT

“Dead little things” #dollhouse #miniature #Matthew Albanese #strangeworlds #diorama #photography #art

Una publicación compartida por Matthew Albanese (@matthewalbanese) el 6 de Oct de 2013 a las 9:29 PDT

9. Vincent Bousserez el fotógrafo que nos pierde los lugares, dimensiones, y las perspectivas para crear mundos en miniatura

Las ingeniosas obras de Vincent Bousserez fueron publicadas en febrero del 2009. Desde entonces, el artista con sede en París ha rodado para la marca de lujo Louis Vuitton, haciéndose un nombre en todo el mundo con sus creativas e inteligentes fotografías. A diferencia de otros, Vincent no tiene miedo de empujar el sobre; aunque muchas de sus fotos parecen dulces, una buena parte de ellas tiene un trasfondo oscuro o misterioso. Su serie creativa se llama Plastic Life.

Plastic Life, Commissioned work, client: CANAL PLUS. Agency: BETC. Photography & post-production: Vincent Bousserez. Agent: @eleonorecharrey . . #plasticlife #canalplus #microworld #diorama #macrophotography #littlepeople #vincentbousserez #forever #plasticlifeneverends #keepexploring #huffpostgram #stayandwander #pentax #pentax645z #mediumformat #peoplescreatives #lifeofadventure #wildernessculture #travelawesome #folkscenery # #passionpassport #contemporaryart #neverstoppingexploring #theoutbound #theworldvisuals

Una publicación compartida por Vincent Bousserez (@vincentbousserez) el 20 de Dic de 2017 a las 12:48 PST

Plastic Life, Commissioned work, client: CANAL PLUS. Agency: BETC. Photography & post-production: Vincent Bousserez. Agent: @eleonorecharrey . . #plasticlife #canalplus #microworld #diorama #macrophotography #littlepeople #vincentbousserez #forever #plasticlifeneverends #keepexploring #huffpostgram #stayandwander #pentax #pentax645z #mediumformat #peoplescreatives #lifeofadventure #wildernessculture #travelawesome #folkscenery # #passionpassport #contemporaryart #neverstoppingexploring #theoutbound #theworldvisuals

Una publicación compartida por Vincent Bousserez (@vincentbousserez) el 20 de Dic de 2017 a las 12:47 PST

Una publicación compartida por Vincent Bousserez (@vincentbousserez) el 25 de Oct de 2017 a las 12:56 PDT

10. Matteo Stucchi, crea escenas cómicas en donde usa famosos ingredientes de repostería

El juguetón chef de repostería Matteo Stucchi crea imaginativas escenas cómicas usando pasteles y otras golosinas. Al creer que en un postre la decoración es tan importante como el sabor, fabrica obras de arte comestibles inspiradas en la vida cotidiana, escenas fantásticas y días festivos.

Una publicación compartida por Matteo Stucchi (@idolcidigulliver) el 31 de Jul de 2018 a las 1:21 PDT

Una publicación compartida por Matteo Stucchi (@idolcidigulliver) el 4 de Jun de 2018 a las 11:59 PDT

Una publicación compartida por Matteo Stucchi (@idolcidigulliver) el 7 de May de 2018 a las 11:50 PDT

Una publicación compartida por Matteo Stucchi (@idolcidigulliver) el 6 de Abr de 2017 a las 11:31 PDT

Estas fueron las mejores artistas crean magníficos mundos en miniatura.

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Los dibujos callejeros temporales de David Zinn están compuestos completamente de tiza, carbón y objetos del entorno, siempre improvisados en cualquier lugar. A través de un proceso conocido como “anamorfosis pareidólica” o “pareidolia anamórfica“. La mayoría de sus criaturas aparecen en las aceras de Michigan, pero muchas han surgido tan lejos como en plataformas de metro en Manhattan, plazas de pueblo en Suecia y esquinas en Taiwán.

Gracias a una caja de tiza y un poco de carbón, el Sr. Zinn se ha hecho conocido en todo el mundo por el arte que crea bajo sus pies. Entre sus personajes más frecuentes está ‘Sluggo’, un monstruo verde brillante con ojos saltones y hábitos irreverentes. También se encuentra Philomena, un cerdo volador flemático, entre otros diversos personajes que descubrirás enseguida.

Crea sus ilustraciones ópticas en lugares improvisados, usando diversos objetos, mobiliario urbano y en escalones

Sus personajes más frecuentes son Sluggo, un monstruo verde brillante con ojos tallo y hábitos irreverentes, y Filomena, un cerdo volador flemático. En el momento, improvisa su creación en el lugar usando diversos objetos que va buscando, mobiliario urbano, y también crea ilusiones haciendo dibujos en escalones. A partir del 2013, crea ilustraciones de ratones con la misma particularidad de elementos: tiza y carbón.

Si te quedaste con las ganas de ver mucho más del trabajo de este artista, puedes ingresar a su Facebook, Instagram, Twitter o página web. Además, te dejamos este corto vídeo, en donde podrás aprender un poco sobre David Zinn.

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Las pinturas de Kahlo son profundamente personales, repletas de simbolismos que narran la historia de su vida. Pero incluso con su inmensa popularidad, todavía puede haber algunas cosas sorprendentes que aún no sepas acerca de esta célebre artista. Conozca un poco más acerca de la mujer detrás de la obra de arte, y cómo se elevó a la fama después de su muerte con nuestra lista de 8 hechos interesantes de Frida Kahlo.

1. Amaba las pinturas de autorretratos

De 143 pinturas, 55 son autorretratos, lo que es quizás comprensible cuando se piensa en cuánto tiempo pasó sola mientras se recuperaba de una variedad de problemas de salud. Su trabajo introspectivo se vuelve aún más impactante por su uso del autorretrato para expresar sus luchas internas, sufrimiento psíquico y mental.

No busquen más allá, solo son unas pinceladas de lo que soy… #FridaArt #FridaKahlo #Painter #Artist #México #Unique

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 7 de Abr de 2017 a las 12:46 PDT

2. Mintió acerca de su edad, pero por una buena razón

A los 6 años, Frida Kahlo contrajo la polio. Esto no solo hizo que su pierna derecha fuera más corta y más delgada que la izquierda, que con algunas faldas largas intentó disimularlo. Sino que la mantuvo fuera de la escuela durante bastante tiempo. Después de unirse a la élite de la Escuela Nacional Preparatoria en 1922, se sumergió en el indigenismo, un nuevo sentido del orgullo cultural mexicano. Para mostrar su compromiso con la cultura mexicana y disfrazar el hecho que ella era mayor, se quitó tres años más de su edad. Por el resto de su vida, declaró que nació el 7 de julio de 1910, el año en que comenzó la Revolución Mexicana.

“Y la sensación nunca más me dejó, de que mi cuerpo carga, en sí, todas las llagas del mundo.” #FridaKahlo #Photography #Mexico #Painter #Artist #Legend

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 29 de May de 2018 a las 5:52 PDT

3. Soñaba estudiar medicina hasta que se accidentó

De niña, soñaba con ser doctora, y el arte era una afición secundaria alimentada por su padre, que era fotógrafo. Sueño que terminó a los 18 años, cuando ella y su novio estuvieron involucrados en un horrible accidente. El autobús de madera en el que viajaban colisionó con un tranvía, lo que provocó que una barandilla de hierro la atravesara a través de la pelvis. Las lesiones casi fatales la mantuvieron hospitalizada durante meses. Fue durante este tiempo que el padre de Kahlo creó un caballete especial que le permitió pintar en la cama. El accidente causaría que viviera con dolor crónico y con frecuencia necesitaría cirugías para ayudar sus lesiones espinales.

“Porque todo cambio nace de una destrucción…” #FridaKahlo #Mexico #Artist #Painter #Legend #Photography

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 1 de Ago de 2018 a las 6:01 PDT

4. Apareció en la Revista Vogue

Existe un rumor en internet que apareció en una portada de 1939 de Vogue Paris, pero en realidad, su primera aparición en la revista fue en 1937. En la edición de octubre de American Vogue, apareció en un artículo llamado Señoras de México. Toni Frissel la fotografió junto a una planta de agave y solo apareció en la revista, no en la portada. La portada de Vogue de 1939 es simplemente una maqueta inteligente que usa un retrato icónico de Kahlo, tomado por el fotógrafo Nickolas Muray, con quien tuvo una aventura a largo plazo. La edición de noviembre de 2012 de Vogue México usó la fotografía de Muray, convirtiéndola en una chica de portada casi 60 años después de su muerte.

“Autorretrato dedicado a León Trotsky (Entre las cortinas)”. (1937) #FridaKahlo #Painter #Painting #Artist #México #Legend

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 7 de Ene de 2018 a las 6:33 PST

5. Fue encarcelada por presunto asesinato

Kahlo y su esposo Diego Rivera fueron miembros por mucho tiempo del Partido Comunista Mexicano. En 1937, solicitaron al gobierno mexicano otorgar asilo al ex líder soviético León Trotsky, quien tuvo una breve aventura con ella. Se cree que el romance fue una revancha de Kahlo por el romance de Rivera con su hermana menor, Cristina. En 1940, fue asesinado y Kahlo, junto con su hermana, fue encarcelada brevemente como sospechosa. Como conocía al hombre que cometió el asesinato, finalmente fue liberada y liberada después de dos días.

“Nada en mi sería ya tan hondo, tan al final pero cómo le explico mi necesidad enorme de tenerla, mi soledad de años mi estructura inconforme por inadaptada.” #FridaKahlo #Mexico #Legend #Photography #Painter #Artist

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 16 de Jun de 2018 a las 6:38 PDT

6. Llegó a su exposición individual en una ambulancia

La salud de Kahlo siguió disminuyendo y pasó los últimos años de su vida dentro y fuera del hospital. Ella estaba principalmente atada a La Casa Azul y usaba una silla de ruedas y muletas para moverse. Aun así, el aprecio por su trabajo continuó creciendo y ella continuó pintando.

En abril de 1953, se inauguró su primera exposición individual en México en la Galería Arte Contemporáneo. En ese momento, Kahlo estaba en reposo en cama por orden del médico y no se esperaba que asistiera. Sin embargo, se aseguró de estar allí, llegando en ambulancia y ordenando que su cama fuera trasladada a la galería. Solo unos meses después, su pierna derecha fue amputada hasta la rodilla debido a una gangrena y, poco más de un año después de la apertura, fue encontrada muerta a los 47 años.

“Dos desnudos en un bosque (La tierra misma)”. [1939] #FridaKahlo #Painter #Artist #Painting #Art #México

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 23 de Oct de 2017 a las 5:34 PDT

“He estado enferma un año. Siete operaciones en la columna vertebral. El doctor Farrill me salvó. Me volvió a dar alegria de vivir. Todavia estoy en la silla de ruedas, y no sé si pronto volveré a andar. Tengo el corset de yeso que a pesar de ser una lata pavorosa, me ayuda a sentirme mejor de la espina. No tengo dolores. Solamente un cansancio de la. . tiznada. [sic]” #FridaKahlo #Photography #Mexico #Legend #Artist #Painter

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 13 de Jun de 2018 a las 6:20 PDT

“Pies, para que los quiero si tengo alas pa’ volar.” #FridaKahlo #Legend #Artist #Photography #Painter #Mexico

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 17 de Jul de 2018 a las 5:21 PDT

7. Su arte establece récords mundial

En 1939, cuando el Louvre adquirió su pintura The Frame, Frida Kahlo se convirtió en el primer artista mexicano del siglo XX en hacer que su obra entrara en una importante colección internacional. El autorretrato de 1938 está ahora en exhibición en el Centro Pompidou de París como parte del Museo Nacional de Arte Moderno.

Pero ese no es el único registro que rompió Frida, en 1984 su obra fue declarada parte del patrimonio cultural nacional de México, por lo que es raro encontrar sus pinturas en subastas internacionales. Aún así, en 1990 fue la primera artista latinoamericana en vender en una subasta por más de $ 1 millón. Su trabajo continúa ganando valor, con Two Lovers in a Forest vendiéndose por $ 8 millones en 2016.

“Diego y Frida (1929 – 1944)”. [1944] #FridaKahlo #Art #Painter #Painting #Legend #Mexico

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 26 de Jul de 2018 a las 5:07 PDT

8. Es un ícono feminista, chicano y del LGBT

El lugar de Kahlo en la cultura popular comenzó a aumentar en la década de 1970. Cuando los estudiosos comenzaron a cuestionar la exclusión de los artistas no occidentales de los libros de historia. Su apertura con su sexualidad, siendo bisexual, y su vestido de doble género la ha convertido en una figura emblemática de la comunidad LGBT. Su orgullo feroz por sus raíces mexicanas y su promoción de apartarse de las raíces coloniales de México también le convertieron en una fuente de orgullo para los chicanos. El término “Fridamanía” se ha utilizado para describir el fenómeno, con el romanticismo del siglo XXI de la vida de Frida Kahlo casi eclipsando su verdadera historia.

“Mi soledad de años. Mi estructura inconforme por inarmónica, por inadaptada. [sic]” #DiarioDeFrida #FridaKahlo #Painter #Artist #Photo #México

Una publicación compartida por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 25 de Oct de 2017 a las 5:37 PDT

Estos logros son aún más asombrosos cuando uno recuerda que, durante su vida, generalmente se le llamaba “esposa de Diego Rivera” y no como artista por derecho propio. La Frida del siglo XXI es una estrella, una propiedad comercial completa con clubes de admiradores y merchandising. Una encarnación de las esperanzas y aspiraciones de un grupo casi religioso de seguidores. Esta salvaje e híbrida mujer es una mezcla de bohemia trágica, y heroína revolucionaria. Ha tomado tanta influencia en la redes sociales, tanto como en su cuenta de Instagram, donde puedes observar otras de su semblanzas y obras.

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El arte de resina epoxi de Antuanelle tiene otro propósito, además de ser estéticamente agradable. Los usa para concientizar al espectador sobre la importancia de la conservación marina. Conecta a las personas con la belleza de las playas y las reservas oceánicas y este sentimiento es palpable en su trabajo. Con solo echar un vistazo, nos transportamos a la tranquilidad de los lugares apartados.

La artista Antuanelle crea un arte de resina inspirado en la belleza intacta del océano

Incorpora elementos reales dentro de su pintura. Resaltando la preciosa belleza natural al borrar cualquier rastro de presencia humana, el cual imparte la sensación de un mundo completamente libre y puro.

Ella incorpora objetos reales en sus pinturas

Antuanelle vende su trabajo como originales e impresiones, a través de su tienda en línea, puedes seguirla también en su cuenta de Instagram.

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Lápiz vs cámara: cuando la imaginación se encuentra con la realidad

Pencil vs Camera es un concepto visual inventado y popularizado por Ben Heine desde abril del 2010, convirtiéndose en la marca especial del artista. Considerado como uno de los conceptos artísticos más creativos y poderosos del siglo XXI. Sus imágenes muestran un boceto dibujado a mano y fotografiado por el artista para infundir escenas ordinarias con nuevas narraciones surrealistas, visionarias o románticas.

Las ilustraciones de Ben Heine representa la conexión entre el espectador, el artista y la obra de arte

Le gusta contar una historia y transmitir mensajes intemporales utilizando la imaginación, la ilusión, la poesía y el surrealismo. Una foto que ya se ve hermosa se ha mejorado con un boceto que agrega un toque de sátira y extravagancia. A partir de bocetos simples, aportó innovaciones importantes añadiendo colores y papel negro o aumentando el tamaño de los dibujos.

Las primeras imágenes del proyecto ganaron popularidad y recibieron críticas positivas de sitios de arte especializados e influyentes junto con oportunidades internacionales para el artista. Este nuevo concepto también se popularizó en muchas escuelas primarias y secundarias en todo el mundo. Los cuales se utilizan para estimular la imaginación de los estudiantes y alentarlos a usar nuevas tecnologías y compartir sus ideas.

Carne y Acrílico: Cuerpos llamativos y coloridos

Flesh and Acrylic, comenzó en 2011, en donde Ben Heine crea pinturas acrílicas abstractas en grandes paneles de madera. La particularidad del proyecto es el hecho de que una persona se integra en la obra de arte siendo parte de toda la composición. Llegando a camuflarse en ella tanto que es casi invisible. El resultado final suele ser muy colorido, salvaje y llamativo. En su mayoría, crea tales obras de arte para actuaciones públicas en vivo en centros comerciales y museos.

Circlismo digital: retratos de celebridades hechas con círculos

Digital Circlism, se inició en el año 2010, en donde mediante el uso de softwares gráficos y mucha creatividad. Ben Heine recrea rostros icónicos de la historia y la cultura pop con círculos planos de varios tamaños y colores, para darles un aspecto dinámico y tridimensional. La técnica del círculo de Heine agrega un significado simbólico a los sujetos retratados.

Cada retrato de Ben Heine requiere entre 100 y 180 horas de trabajo para completarse. Entre algunos de sus trabajos notables, Heine colaboró con Mazda para crear un diseño que mostraba una cara de león gigante en el automóvil. Los mismos que fueron exhibidos en la Feria de Arte Affordable de Bruselas. Sin embargo, algunos de sus retratos han sido copiados, robados y plagiados en varios países del mundo.

Lo maravilloso del arte es que nunca se estanca, siempre existirá una mente creativa dispuesta a explorar nuevos horizontes. Los cuales nos permitirán disfrutar de obras inéditas que nos hagan soñar. Precisamente es lo que ha logrado el artista belga Ben Heine, quien ha alcanzado fama mundial con sus trabajos. Si quieres conocer más de sus obras magníficas te dejamos su sitio web y  cuenta de Instagram para que sigas al artista.

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Con un énfasis decreciente en las artes en las escuelas, muchos niños no tienen la oportunidad de explorar creativamente lo que merecen. Esa es una tendencia monstruosa que The Monster Project quiere destruir. Los artistas comprenden cuán importante es la exposición creativa inicial y cómo puede alterar el futuro de un niño.

Invitan a los alumnos de primaria a dibujar monstruos para luego ser ilustrados

Una iniciativa creativa que invita a artistas de todo el mundo a recrear las obras maestras de los monstruos de estudiantes de primaria. Con poca limitación y amplia libertad artística, los niños diseñan, dibujan y colorean criaturas desde sus sueños más locos. Las dibujos de monstruos terminadas se envían a artistas, pintores, ilustradores, diseñadores, animadores e incluso escultores de todo el mundo, para que los recreen en sus respectivos medios de elección.

El programa tiene como objetivo promover la individualidad y creatividad del infante

Además de revitalizar las artes en la educación. Una de las principales misiones del proyecto es promover la individualidad, fomentar la creatividad y legitimar el talento artístico. Al colaborar con los estudiantes y encontrar inspiración de sus fantasías, esperan ayudarlos a reconocer el valor de sus ideas. Y por supuesto, a hacer que se sientan entusiasmados con el potencial de su imaginación. The Monster Project, logra fabulosas ilustraciones de monstruos inspiradas en los dibujos de estos niños.

Los niños son capaces de ver lo que su idea provocó en los demás

La creatividad viene en muchas formas, por eso es importante fomentar la exploración de las distintas percepciones que se tiene. Estos artistas dan vida a los dibujos de los niños en sus propios estilos artísticos. Cuando entregan las nuevas ilustraciones de monstruos a los alumnos, demuestran nuevas técnicas de arte dentro del contexto creativo original. Al colaborar con los estudiantes y encontrar inspiración en sus imaginaciones, esperan ayudarlos a reconocer el valor de sus ideas. Y hacer que se sientan entusiasmados con el potencial de sus propias mentes. Para presentarles la noción de que el arte es una carrera profesional legítima que podrían tomar en el futuro.

Es refrescante tener la oportunidad de echar un vistazo a la imaginación de otra persona, especialmente las de un niño. Es una oportunidad increíble que ningún artista debe desaprovechar. Puedes ingresar al website del proyecto a su cuenta de Instagram para seguir de cerca estas magnificas ilustraciones.

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Definitivamente, la artista sabe combinar su pasión por el maquillaje y el arte, demostrándolo en innumerables tutoriales en su cuenta de YouTube. Además, ha inspirado a otros artistas makeup en realizar sus propios diseños. Desde entonces, aprendió a dominar una serie de efectos creativos que seguramente harán que veas hasta tres veces la misma imagen.

Lo que es aún más impresionante es que RJ solo ha practicado su maquillaje de ilusiones ópticas durante menos de dos años. Y gracias a ello ya se está haciendo un nombre dentro de la industria de la belleza.

RJ se inspira en grandes e históricas obras de arte

Inspirada en uno de los retratos abstractos de Picasso, ha transformado su rostro en una mirada confusa de múltiples ojos, narices y labios. Otro ejemplo, es cuando la makeup artist crea la ilusión de torcerse la cabeza para revelar un laberinto mecánico de metal dentro de su cráneo.

Y en lugar de deliberar sobre qué sombra de ojos de color usar, RJ siguió adelante y pintó ojos extra en su rostro para crear una apariencia surrealista de seis ojos, completa con tres pares de pestañas postizas.

Es impresionante las ilusiones ópticas que ella nos puede generar con el maquillaje

El impresionante portafolio de trompe-l’œil del artista muestra sus excelentes habilidades y creatividad ilimitada. Manténgase al día con las transformaciones faciales asombrosas de RJ en su cuenta Instagram y revise su canal de YouTube para aprender cómo puede recrear su aspecto.

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11 artistas hiperrealistas que te impactarán con sus obras de arte

1. Mike Dargas, el talentoso artista y pintor visual alemán

El arte de Mike Dargas, se hizo ampliamente conocido por sus retratos al óleo hiperrealistas a gran escala. Cuando tenía 11 años ya exponía sus pinturas en la plaza de la Catedral de Colonia, pintadas con colores pastel y tiza. A esta edad fue aceptado en la escuela de pintura, era el único niño entre los adultos. Inicialmente, creaba esculturas de madera y metal, y después despertó su interés por el hiperrealismo. Su firma personal en sus retratos es el jarabe que se escurre por el rostro de las mujeres. Sorprende a las personas con sus habilidades y su gran talento de captar la esencia de las personas retratadas. Algunos de sus diseños obtuvieron numerosos premios y becas para seguir estudiando.

In progress #art #painting #oil #portrait #honey #beauty #healingbeauty #kiss #lipstick

Una publicación compartida por Mike Dargas (@mikedargas2014) el 11 de Sep de 2017 a las 9:59 PDT

2. Tigran Tsitoghdzyan, uno de los mejores artistas hiperrealistas

El pintor Tigran Tsitoghdzyan, nació en Armenia. A los 10 años llevó a cabo su primera exposición. Se considera que su estilo icónico es una combinación de técnica clásica con un toque contemporáneo, a menudo es comparado con el hiperrealismo.

En la actualidad, Tigran vive en Nueva York. Su proyecto actual “Mirrors” consta de cuadros en los cuales están representados rostros tapados con manos semitransparentes. Estas manos simbolizan nuestra discapacidad de ocultar la personalidad en Internet, en particular en las redes sociales.

Month later… #workinprogress #painting #oilpainting #artstudio #portrait #blackpanther #instaart #hyperrealism #photorealism #surrealism #contemporaryart #contemporarypainting #tigran #tigrantsitoghdzyan

Una publicación compartida por Tigran (@tigrantsi) el 22 de Mar de 2018 a las 10:02 PDT

3. Sergey Piskunov, prometedor artista contemporáneo

Con tan solo 28 años, el artista ucraniano, Sergey Piskunov, a pesar de no terminar la escuela de arte, aprendió a dibujar por sí mismo. Quien ha tenido un increíble éxito en este movimiento artístico. El pintor ya llevó a cabo exposiciones no solo en las ciudades de Ucrania, sino también en Londres, Berlín, Tel-Aviv, Singapur. Algunas obras suyas adornan las colecciones privadas y galerías de Estados Unidos, Gran Bretaña, China, Francia y los Emiratos Árabes Unidos.

#arts_help #arts_promote #spotlightonartists #artfido #imagionationarts #arte #nawden #nawden_art #hyperrealism #hyperreal #painting #artistry #artporn #arteurbana #artlovers #artdaily #artsyfartsy

Una publicación compartida por Sergey Piskunov (@piskunovart) el 20 de May de 2017 a las 4:36 PDT

4. Eloy Morales, de los artistas hiperrealistas que crea crea maravillosa obras a gran escala

Eloy Morales es un talentoso pintor, de 40 años de edad, con sede en Madrid, España. Sus obras son casi imposibles de diferenciar entre fotografías o pinturas, los mismos que son pintados en óleo. Gran parte de estos autorretratos, muestran el rostro de Eloy manchado con capas de pintura, que le dan un toque aún más particular. Parece que en estos retratos están representados las consecuencias de la explosión de una fábrica de tintes. Ha participado en exposiciones por toda Europa, México, EE.UU y otros países.

One of my paintings of the MEAM museum collection.

Una publicación compartida por Eloy Morales (@eloymorales73) el 17 de Jul de 2017 a las 12:39 PDT

5. Dru Blair, un reconocido pintor de aerógrafo estadounidense

El artista estadounidense, Dru Blair, utiliza aerógrafo para crear sus retratos. Especialmente, el cuadro en el cual se representa una modelo brasileña en un vestido blanco provocó discusiones entre los expertos. Ellos afirmaron que es imposible dibujar fotográficamente así de preciso y llamaron a Dru un farsante. Quien lo aceptó como un cumplido. Y es que en verdad, es tan difícil creer que todos estos retratos no son más que aerografía.

Here is the entire completed painting. #notdigital #artistmafia #artistshouts #artistdrop #artist_sharing #art_collective #artempire #artassistant #lovelyart #_talent #artnerdy #artsanity #artcollective #cieloart #artcrazee #art_fashion #repostmyart #artofdrawingg #illustrateyourworld #hash_talent #cielo_art #daily__art #artsglobal #famepeak #artag #alien_arts #arthelp #artists_mag

Una publicación compartida por Dru Blair (@dru_blair) el 14 de Feb de 2014 a las 7:12 PST

6. David Eichenberg, se diferencia de los demás artistas hiperrealistas por sus pinturas de silueta

El artífice David Eichenberg, también se encuentra involucrado en el mundo del hiperrealismo. Se diferencia de otros pintores, porque prefiere representar a las personas de perfil. Sin embargo, los cuadros de David son muy brillantes, a comparación de otros.

“Jack” (portrait of glass artist Jack Schmidt). 7″ x 10″, Oil on Aluminum Panel #realism #art #painting #portraiture #contemporaryart #jackschmidt #glassartist #oilpainting

Una publicación compartida por David Eichenberg (@davideichenberg) el 17 de Jun de 2017 a las 8:52 PDT

7. Daniel Sprick, conocido por su estilo de muerte realista

El pintor estadounidense de Denver, Daniel Sprick, de 65 años, es el más famoso por su naturaleza muerta realista. Pero entre sus obras hay también retratos de personas que, al ver, es difícil creer que se hayan realizado con ayuda de una brocha y tintes.

Una publicación compartida por Daniel Sprick (@sprickdaniel) el 7 de Mar de 2018 a las 6:20 PST

8. Arinze Stanley, uno de los artistas hiperrealistas que trabaja con un lápiz de grafito

Arinze Stanley Egbengwu, es un artista, activista, ingeniero y empresario nigeriano. Es conocido por realizar sus dibujos hiperrealistas con lápiz de grafito y de carbón. Los cuales son hechos en enormes lienzos, generalmente de personas comunes de ascendencia africana. Arinze utiliza sus obras como un medio para el activismo social y político, abordando cuestiones apremiantes tanto en su comunidad como en todo el mundo. Con una increíble minuciosidad, dibuja cada pequeño detalle para representar al máximo con precisión el reflejo de la luz, las gotas de sudor o rizos del cabello. Si quieres ver más de su arte puedes seguirlo en su cuenta oficial de Instagram.

9. Parag Sonarghare, ha tenido varias exposiciones en galerías y museos

Parag Sonarghare es un pintor indio que ha expuesto sus obras de arte en varias galerías y museos, incluso en la Galería Maskara. El mismo que dibuja solamente los hombres. Sus pinturas son tan detalladas que, a veces, incluso a los profesionales les resulta difícil entender dónde está la fotografía y dónde la pintura en óleo.

#realistic #portrait #figurativepainting #figurative #painting #art #artist #studio #hyperrealism #artwork #contemporarypainting #contemporaryrealism #male #photorealism #realism #paragsonarghare #acryliconcanvas #kasim #museumeam

Una publicación compartida por Parag Sonarghare (@paragsonargharestudio) el 23 de Jul de 2017 a las 12:03 PDT

10. Dirk Dzimirsky, uno de los artistas hiperrealistas de Alemania

Nacido en Rhede, Alemania, de 49 años, Dirk Dzimirsky, dibuja enormes retratos de personas utilizando lápices, colores pastel y carbón. A pesar de haber realizado dibujos de forma autodidacta toda su vida, fue en el año 2005 que decide dedicarse profesionalmente a ello. Dirk posee una gran técnica, destacando sobre todo los retratos a los que les otorga una vida y una expresión francamente loables. El nivel de detalle es casi fotográfico, consiguiendo darle una profundidad y un tratamiento espléndido. El artista se deja intencionadamente seducir por cierta dureza del dibujo en nariz, boca, arrugas y poros, y se permite incorrecciones que no quitan sentimiento a los retratos. Podemos encontrar sus trabajos también en deviantArt donde se da a conocer como DDzim.

Drowning, 2016 Charcoal and acrylic on canvas, 100×70 cm #dirkdzimirsky #charcoaldrawing #face #drawing

Una publicación compartida por Dirk Dzimirsky (@dirk_dzimirsky) el 1 de Feb de 2016 a las 6:07 PST

11. Philipp Weber, sus obras representa el cliché del mundo de la moda y de la publicidad

Philipp Weber, a través de su arte, cuenta las historias que lo conmueven, utilizando un estilo hiperrealista. El realismo, el pop, la composición y el intento de encontrar una verdad interior determinan el enfoque del artista. Quien coloca a las mujeres en el centro de sus obras cíclicas. Representa la artificialidad y los clichés del mundo de la moda y la publicidad. Weber da vida a sus modelos, liberándolos de la artificialidad y rigidez de la imagen maestra, exponiendo irregularidades en aparente perfección y revelando aspiraciones y grandes sueños.

Una publicación compartida por Philipp Weber (@philippweberartist) el 26 de Oct de 2015 a las 7:38 PDT

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Uno de ellos, sin duda, fue The Legend of Zelda: Breath of the Wild, videojuego que salió entre el primer lote para esta consola, al mercado, y que ha significado un éxito rotundo pata la marca, tanto en ventas como en su popularidad alcanzada.

Fuente: ColossalMedia

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Zelda “glow in the dark”

Para el lanzamiento de este juego y consola, el año pasado, la gente de Nintendo y de la agencia Colossal decidieron promocionarlos con una primera ejecución que, literalmente, brilló de manera propia, en una pared de la calle Williamsburg, barrio de Nueva York.

Luego de un exhaustivo trabajo de pintura y graffiti a mano, una vez que el mural original secó, Colossal usó una segunda capa de pintura que brilla intensamente en la oscuridad, agregando con ello patrones gráficos dinámicos que recrearon el logotipo del juego.

Fuente: ColossalMedia

Fuente: ColossalMedia

Fuente: NintendoToday

Invisible durante el día, la pintura se activa por la noche para lograr un efecto visual deslumbrante que pueden ver a continuación en este vídeo que muestra el proceso de producción, fusionando trazos de pincel con escenas de juego.

Glow of the Wild

Sin duda, una original ejecución que muestra cómo el arte sigue siendo una poderosa y efectiva forma para promocionar a lo grande.

Conozcan a continuación una original campaña para el lanzamiento de Deadpool2 que llega especialmente para los amantes de la cerveza y la chimichanga.

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Recientemente, Oiwa presentó una asombrosa instalación que fue presentada una exposición en la galería JAPAN HOUSE, ubicada en São Paulo, lugar que muestra la cultura tradicional japonesa a través de exposiciones de connotación moderna.

Fuente: Colossal

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Dibujo en el paraíso

“Oiwa in Paradise – Drawing the Ephemeral” (Oiwa en el paraíso – dibujando lo efímero) es el nombre de este inmenso dibujo en blanco y negro de 360 grados que fue creado dentro de un globo aerostático inflado y que le tomó a Oiwa y sus cinco asistentes, dos semanas para terminar.

Fuente: Colossal

Fuente: Colossal

Fuente: Colossal

“Siempre he disfrutado dibujando, lo que considero la forma más básica de expresarme visualmente”, señaló Oiwa en un comunicado de prensa sobre este trabajo. “Un lápiz y una hoja en blanco, no hay un medio más simple que eso”, finalizó.

Este minucioso trabajo fue íntegramente hecho con 120 plumones indelebles color negro, e invita al público a experimentar un escenario compuesto de manchas oscuras de bosque, senderos serpenteantes y un cielo lleno de remolinos de alto contraste, totalmente encapsulados, y será exhibido hasta el 3 de junio de 2018.

Conozcan a través del enlace a continuación un asombroso mural de La Guerra de las Galaxias que lleva todos sus episodios y sus más importantes personajes.

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El cual premia a más de 24 categorías, en las que cuales resalta las nominadas a Mejor película, Mejor actriz, Mejor actor y no podía faltar las cabezas maestras de estos grandes éxitos, la categoría a Mejor director.

Y ya que estamos tan emocionados e inspirados por esta gran premiación de la academia, te compartiremos el trabajo de 9 artistas pop art, que decidieron darle una vuelta a los anuncios publicitarios de los nominados a mejor película, gracias a la inspiración que tuvieron de los artistas que ellos admiran. De hecho más de uno te sorprenderá.

Oscar Pop, nominados a mejor película 2018

1. Tres anuncios publicitarios fuera de Ebbing, Missouri – Jackelyne Castillo

Jackelyne se inspiró en el trabajo del artista inglés Olly Moss, quien es muy famosos por darle otro sentido a los afiches de los films.

Ya que esta película trata de que una madre está en busca de los asesinos de su hija, pelea para que le hagan caso y la única solución es que coloque tres vallas para que recién puedan hacer justicia. Por ello, la técnica de Moss es perfecta para detallar todos los acontecimientos dentro de la escena.

2. La forma del agua – Kia Delgado

Elisa es trabajadora de un laboratorio de investigación, donde se encuentra un humaniode, que lo capturaron para investigarlo. Ella al estar tanto tiempo en contacto, se enamora. Ahí es donde empieza todo el drama del film, lleno de suspenso y romanticismo.

La película cuenta con tonos azulejos y verdosos, ya que retrata los años 60. Lo cual hace que el artista sienta influencia por los dibujos de Kiki Kogelnik, la cual trabaja mucho con esos tonos, tiene gran interés por el feminismo y es adicta a la tecnología actual.

3. Dunkerque – Brandon Lee

Dunkerque es una película de guerra, por lo tanto el dibujo tendría que tener colores rojos, ya que representa a la guerra y las muertes que se obtienen con ella.

Está inspirada en Takashi Murakami, el cual tiene un estilo psicodélico y vibrante, lo cual es la perfecta opción de darle vida a un avión Spitfire, haciéndolo parecer como un ser que emerge desde las profundidades. Tal como está en la imagen.

4. ¡Huye! – Alice Lee

Tiene relevancia sobre el trabajo de Keith Haring, quien a pesar de constantemente realizar trabajos de figuras de baile, también tiene inclinación por lo oscuro, en cuanto a la violencia y el miedo.

Perfecta para Get Out o Huye, posible ganadora del premio mayor de la academia. Esta es un film de terror sobre el racismo que se vive en algunos lugares.

5. Lady Bird – Brenda Luu

Lady Bird, trata de una adolescente que se encuentra en pleno crecimiento y va descubriéndose ella misma, su cuerpo, sexualidad y a la misma vez el estar tan impaciente por ser grande.

Eso recordó a Brenda, que Mel Ramos, es perfecta haciendo artes que destacan la sensualidad femenina, pero a la vez provocadoras y muy alegres. Tal como es Lady Bird.

6. Phantom Thread – Flo Lau

Trama en la que se aprecia el amorío que tiene un diseñador, que le huye al compromiso por temor, y su máxima musa.

Malika Favre, es la perfecta inspiración en esta ocasión, ya que utiliza gráficos ordenados y mínimos, tal como el protagonista de la película, que es un tipo serio y con una rutina encaminada. Pero a su vez utiliza patrones coloridos, lo cual representarían lo compleja que es la relación de los protagonistas de la película.

Además que se aprecia exactamente, varias escenas del film, como lo es el maniquí, el hongo que tiene en la mano y la mirada cautivadora de Alma.

7. Hora más oscura – Alice Li

La cultura pop art en el Reino Unido siempre representó la cultura estadounidense desde el exterior, así que Alice decide darle una vuelta a ello y que mejor que de la mano de Richard Hamilton, quien trabaja sus obras al estilo collage/ pintura.

En ella se ve a Winston Churchill, con elementos muy significativos dentro de ella, ya que en ese entonces él toma el mando de una nación que se encuentra en guerra.

8. Llámame por tu nombre – Tim Harrison

Definitivamente esta relación que forman Elio y Oliver en “Call me by your name”, tiene que ser plasmada a través de James Rosenquist, quien toma imágenes de anuncios, fotografías y publicaciones de periódicos, para crear misteriosas y audaces obras de arte.

Eso recordó al artista la relación que tienen los protagonistas, los cuales se entrelazan a pesar de que tienen diferentes estilos de vida y edad, forman algo muy lindo.

9. The post – Jenny Forrest

De acuerdo al estilo de película, el afiche tenía que dar la talla, en cuanta a la seriedad y énfasis a lo que era trabajar dentro de una redacción. Por eso se decidió crear un anuncio con tipografías, tal como lo hace Ed Ruscha, que usa códigos tipográficos y frases.

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Esta pintura fue creada a finales del siglo XV y junto a “La primavera”, otra de sus obras resaltantes se expusieron por primera vez en la galería de los Uffizi en Florencia en 1815. Las cualidades estilísticas que tiene la distinguen del resto, pero el contexto en el que se encontró también favoreció a su magnífico trabajo.

La creación basada en la mitología griega y romana

No se conoce la fecha exacta de la creación de esta obra, pero se aproxima que fue entre 1482 y 1485, a menos de media década de que inicie el Alto Renacimiento en Italia. Fue en esta época cuando Botticelli trabaja en Florencia e incursiona en temas como la mitología griega y romana, tras regresar de Roma, donde estuvo encargado de crear frescos en la Capilla Sixtina.

Debido a este nuevo interés en la iconografía antigua, es que se crean Primavera y El nacimiento de Venus. Estas pinturas fueron trabajadas en pintura temple que es hecho en base a pigmento y yema de huevo, pero el nacimiento de Venus se trabaja sobre lienzo, convirtiéndose en el primero de su tipo, a comparación de Primavera que fue pintada sobre panel.

Escenas de la vida de Moisés’ en la Capilla Sixtina

¿Qué personajes se encuentran en la obra de Botticelli?

En la pintura se puede ver a Venus recién nacida, desnuda de pie en una concha de vieira ampliada. La diosa romana asociada con el amor y la belleza está rodeada de tres personajes de la mitología clásica: Zephyr, el dios del viento, Cloris, una ninfa asociada con las flores y esposa del dios del viento y Horae, una diosa griega relacionada con las estaciones.

Los dos primeros personajes intentan empujar a la diosa romana con su respiración y Horae con una capa intenta cubrirla.

Venus

Zephyr y Cloris

Horae

Influencias en las que se basó la Botticelli

Algo característico de su trabajo es la influencia clásica que tenía, en aquella época, ésta era una de las pocas que mostraban este enfoque, con los temas mitológicos evidentes que se notaban y el desnudo femenino que no tenía hasta entonces precedentes.

Esta obra destacó por revivir los intereses mitológicos de la Antigüedad clásica a comparación de los también reconocidos artistas contemporáneos: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael que aunque también se notaron rasgos de inspiración clásica las obras de estos últimos, prevalecieron la iconografía cristiana.

‘La Venus de Milo’ (101 AEC) Foto: Bradley Weber

Botticelli escogió como tema a la diosa romana por ser un personaje muy popular en el arte antiguo incluida la Venus de Milo, la famosa escultura del S. I aC.

El nacimiento de Venus se destacó entre las otras por la aparición de mujeres desnudas que no se veían normalmente en el arte occidental, pese a que sí se muestran ejemplos en la pintura y escultura griega antigua. Fue después de Botticelli que se introducen nuevamente las imágenes femeninas tanto en el Art Nouveau como en el Postimpresionismo.

Actualmente influye en diversos campos artísticos

En la actualidad esta pintura tiene tal influencia que se ha tomado como guía en la fotografía de moda con mentalidad artística, en la belleza, con creaciones de peinados inspirados en los personajes de esta obra. Sin duda es reconocida con una obra de arte icónica que tiene un papel importante e indeleble en el arte y la cultura contemporánea.

Un dato que cabe resaltar es que la Galería de los Uffizi afirma que la escena tiene influencias de la Metamorfosis de Ovidio, el poema de Agnolo Poliziano, Stanzas y la más resaltante por la pose en la que se encuentra, la Venus Pudica.

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Ahora hablaremos un poco de cómo usar formas, ideas para crear instantáneas increíbles dando rienda suelta a la creatividad. Solo necesitar conectar la PC a un reflector y liberar las imágenes en la escena.

Pero ¿qué resultado me da usar un proyector para crear retratos fotográficos creativos?

Debes conocer que el resultado de este proceso será como imprimir sobre el volumen de los objetos de forma que quedan naturalmente sobre la superficie, las curvas, las imperfecciones.

Dará una sensación de que los colores están pintados justo encima.

Además, tratar de ejecutar este tipo de fotografías no es tan costoso pues necesitarás un proyecto básico con resolución 640×840 y 800 lúmenes.

En cuanto a la escenografía, vale una pared o el fondo que usamos normalmente para fotear.

Entonces ¿cómo usar un proyector para crear retratos fotográficos creativos?

1. Prepara la imagen y el escenario correcto

En este punto debemos conocer del espacio que disponemos y el tiro que tiene el reflector.

* El tiro es la distancia a la que hay que ponerlo para dar una proyección del tamaño que requerimos. Como ya sabrás, el cono de luz va creciendo a medida que los vamos alejando.

Surgen dudas como: ¿Qué imagen vamos a proyectar? ¿Una de internet o crear una nueva? ¿Necesitamos una modelo o solo escena con cosas?

Eso dependerá de lo que quieras recrear, tienes que ver detalle a detalle pues cada opción te dará retratos distintos.

2. Aumenta el ISO y apóyate del trípode

Una limitación del uso del proyector es que no podremos estar en una sala iluminada, ni al aire libre a plena luz del día. Entonces, en este punto es importante la potencia lumínica del proyector, porque uno pequeño solo botará 800 lumens, mientras que uno más grande botará 5 veces más.

Al usar un proyector para crear retratos fotográficos. mientras más potente sea, más luz nos dará y eso permitirá que usemos un ISO más bajo. Que no te parezca algo raro tener que utilizar ISO 3200 para conseguir una buena exposición. Asumiendo además que el diafragma no estará a máxima apertura para no vernos limitados en profundidad de campo y el obturador a una velocidad moderada.

Y como no estamos sobrados de luz, será esencial el uso de un trípode para brindar estabilidad lo más lento posible.

Experiencia de un fotógrafo al usar un proyector para crear retratos fotográficos creativos

Nick Fancher contó cómo le fue al trabajar con esta herramienta y sí que consiguió una captura que lo dejó satisfecho. Conoce el proceso que siguió usando un proyector para crear retratos fotográficos.

Utilizó un reflector viejo en una habitación totalmente a oscuras. Además él recomienda usar un equipo con potencia de 3200 lúmenes.

Tuvo dificultades para posicionar el reflector, pero logró ponerlo en un soporte para computador portátil. Así también se ideó para darle posición horizontal y vertical utilizando gran cantidad de cinta.

Hay distintas maneras de usar un proyector para crear retratos fotográficos en una sesión:

• Apuntar detrás del modelo.
• Puedes colocarlo para que se refleje tanto al modelo como al fondo.
• Posicionarlo de tal forma que recaiga sobre la persona, pero no sobre el fondo.

¿Qué errores se deben evitar en este tipo de fotografías?

Al usar un proyector para crear retratos fotográficos hay ciertos errores que debes evitar para no estropear tus fotos.

• Asegurarte que la luz ambiental de la habitación no interfiera en la imagen del reflector, como se ve la luz naranja en la imagen izquierda.

• Verifica la resolución del reflector. Observa detenidamente la fotografía de la izquierda, ¿logras ver que la forma está pixeleada? Una solución es que el lente de la máquina quede ligeramente desenfocado.

Otra forma de arreglarlo es bajar la nitidez en la configuración del menú de la máquina.

Si quieres llevar la proyección a ‘otro nivel’, puedes buscar imágenes existentes en Google. Pero asegúrate que el tamaño sea grande.

A continuación, un ejemplo con tierra agrietada que será editada en Photoshop

Ahora seleccionar herramienta “varita mágica” con una tolerancia alta de 50 para poder abarcar rápidamente la mayoría de las grietas de la figura.

Ahora creamos una capa de relleno, usando la opción “color sólido”.

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Para empezar, tienes que saber que este instrumento es fabricado de acero inoxidable y está diseñado para que puedas esparcir color en una determinada zona, en pocas palabras “pintar”. Pero no es un pintado cualquiera. Se podría decir que tiene un similar acabado al del aerosol o spray, como se le conoce. O sea, es una pistola que al apretar, esparce gotas de pintura hacia un lienzo.

Las personas que prefieren y utilizan este instrumento, la eligen porque no deja marca de pinceles, huellas o cualquier tipo de imperfección. Pues el pintado es liso y está dirigido a pintores que quieren acabados nítidos y reales.

Ya que además de dejar un efecto liso, recubren superficies con fines artísticos e industriales. Se realizan trabajos en superficies de madera, telas, metal, plástico u otros. Hablando de superficies, las más comunes son: sobre carros, murales, uñas, pasteles, maquetas, cuerpos y hasta en maquillaje. Esto se debe a que cubre grandes superficies en menos tiempo. Impresionante ¿no?

Y ahora hablemos de la pintura que se utiliza para rellenar el lienzo. La mayoría de principiantes utiliza la que es hecha a base de agua, ya que es mucho más sencillo de limpiar, tal como las acuarelas o acrílicos. Pero también se utilizan esmaltes o pinturas más profesionales,  que le den un acabado más brillante a tu diseño.

Pero si vas hacer un body painting, ésta tiene que ser especial para la piel.

Fuente: Google

Técnicas de pintura con aerógrafo para principiantes

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1. Técnica de Enmascaramiento para no dañar la pintura

Esta técnica se basa en cubrir partes del boceto, para que no puedan ser dañadas al pintar otros lados. Esto se realiza debido a que muchas veces la pintura se puede mezclar con otra, lo cual afecta el trabajo y pierde el sentido del dibujo final.

Por eso, el pintado se realiza por capas o por etapas.

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2. Técnica de rotulación, combina efectos

Esta técnica se realiza en calendarios, revistas, manuales, portada de disco, entre otros. Trata de combinar diferentes efectos para tener una gran variedad.

Entre los efectos que utiliza son el cromado, difuminado, degradado, destellos u otros.

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3. Técnica de equipos digitales, realza las pinturas

La mayoría de personas piensan que el aerógrafo solo se utiliza para tunear y hacer los diseños de los carros, a través de tuneo. Y sí, sí se hace, pero la mayoría con vinilos.

Mientras que ahora los bocetos solo se reproducen de una fotografía  

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4. Técnica de la madera, el uso de aerógrafo da un efecto similar

Al aplicar varias capas a tu lienzo, este se tornara del tono de la madera.

¿Cómo?, primero tienes que aplicar una base amarilla para que sirva de fondo y luego se aplicara la marrón.

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5. Técnica de transparencia, para crear efecto cristal

Es una de las técnicas más difíciles, pero no imposibles. Esta técnica se obtiene mediante el rociado de color, con ayuda del degradado y superposición.

Para realizar esta técnica tienes que tener muy en cuenta las luces y sombras a la que estará expuesta el diseño.

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Algunas indicaciones que debes tomar en cuenta:

Ahora que ya sabes para qué es y cuáles son sus técnicas de pintado,  tienes que tener en cuenta dos puntos muy importantes para el cuidado, tanto del aerógrafo, como de tu persona.

Limpieza: Después de utilizarlo, recuerda limpiarlo siempre, ya que eso podría afectar más adelante su uso. Pues recuerda que este instrumento trabaja como un rociador, lo que hace que la pintura se esparza por todos lados.

Para limpiarlo puedes utilizar un disolvente nitrocelulósico o con acetona pura. Pero si no consigues ninguno de esos, también lo puedes hacer con agua destilada

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Seguridad: Algunas de las pinturas que se utilizan para aerógrafiar, pueden llegar a ser tóxicas. Por ello es importante que antes de utilizarlo, te pongas una mascarilla y los olores no te afecten u otra solución es que pintes en un lugar despejado y que corra suficiente aire.

Fuente: Google

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Así que si te consideras amante de la naturaleza, te daremos algunas técnicas y consejos que te ayudarán a dominar este tipo de foto de belleza del mundo.

Estos son los 10 consejos sobre cómo fotografiar paisajes de la mejor manera

1. Investigar y buscar nuevos puntos de protagonismo

El primero de los consejos para fotografiar paisajes es uno de los más esenciales. El paisaje muchas veces puede ser increíble, pero puede que no sea protagonista del todo. A pesar que el clima sea bueno o malo, el éxito lo encontrarás con un elemento ‘excepcional’.

Ya sea consciente o inconscientemente, ese protagonista debe lograr capturar las miradas. Podría ser un árbol, una silueta, el mismo horizonte, etc. Además, podrías tratar de disparar en diferentes ángulos para encontrar una imagen que te agrade.

De repente, podrías volver a algún paisaje que has usado, pero esta vez tratar de apoyarte de la iluminación natural. Recuerda que en cada estación tendrás una nueva oportunidad.

2. Planear a detalle la configuración para la captura de imágenes

Otro de los consejos para fotografiar paisajes es que en este tipo de sesiones, nos interesa que todo el panorama esté enfocado de manera uniforme. Para conseguirlo, debemos utilizar aperturas de diafragma que sean algo pequeñas.

Ya debes saber que a mayor valor F/, más pequeña será la apertura. Así que es bastante recomendable que para paisajes se utilice apertura de F/11 o incluso más como F/16 garantiza una detracción mínima con una gran profundidad de campo.

Importante: Si estás en F/3.5 o F/1.4, el resultado te hará llorar, pero no de emoción.

3. Conseguir un buen trípode para evitar movimientos bruscos

En caso sigas el segundo de los consejos para fotografiar paisajes de usar apertura F/11, vamos a tener un efecto secundario no deseado, pues la cámara tendrá menos luz. Esto significa que la imagen será demasiado oscura.

Para evitar este tipo de inconveniente, deberás utilizar velocidades de apertura un poco lentas, pero esto hará que la foto salga un poco movida incluso hasta borrosa. Como mejor complemento, tendrás que conseguir un trípode para asegurar la estabilidad que esta ocasión requiere.

4. Utilizar un objetivo gran angular para crear buenas composiciones

Uno de los consejos para fotografiar paisajes es que en este tipo de tomas debemos buscar un encuadre lo más amplio posible. Por eso es fundamental usar con objetivos de distancia focal pequeña, algo que esté entre los 16 mm y los 24 mm.

5. Plantéate usar filtros de densidad neutra sólidos para velocidades de obturación lentas

¿Por qué usar filtros? Porque de esa manera puedes ‘manejar’ la luz en este tipo de tomas por ello es uno de los mejores consejos para fotografiar paisajes. No solo llevarás al límite tus conocimientos, sino que la calidad técnica al realizar las capturas terminará por reflejarse en calidad de las imágenes resultantes.

Si bien es cierto, este accesorio no es nada económico, tener alguno será una excelente inversión.

6. Aplicar la regla de los tercios para la composición

Esa regla nos dice que a la hora de encuadrar el paisaje debemos evitar colocar la línea del horizonte justo a la mitad del encuadre. Lo correcto sería colocarlo un poco más arriba o abajo.

En otras palabras: el cielo y el paisaje terrestre no puede compartir la superficie de la foto de igual manera. Si no lo tomas en cuenta, lo único que conseguirás será tener una fotografía aburrida.

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7. Buscar dramatismo, movimiento y fuerza en la toma

Muchas veces, creemos que una foto paisajística es el máximo reflejo de calma, paz y serenidad, pero no siempre será así. Muchas veces, también expresan movimiento, rabia y fuerza por ello otro de los consejos para fotografiar paisajes es que aproveches esos efectos. Por ejemplo, podrías capturar la fuerza del viento en los árboles, las olas del mar, unas hermosas pero rudas cataratas, etc.

Recuerda: No te rindas, ni te dejes vencer por el clima.

8. No te dejes engañar por las predicciones del clima

No debes desanimarte por un día nublado en el que parece que va a llover. A veces, las nubes dan cierto drama y un sol que intenta abrirse camino a través de un cielo gris puede ser la mejor composición para una excelente toma paisajística.

9. Aprovecha los escenarios de la mañana y la tarde

Ya deberías saber que el amanecer y el atardecer son dos momentos del día en el que la tonalidad de la luz, su suavidad y su ángulo se unen de la mejor manera para producir imágenes impresionantes. Por ello uno de los consejos para fotografiar paisajes es que aproveches la luz de estos momentos.

10. Trata de establecer ‘puntos de vista’ creativos

Muchas veces pensamos que nuestras capturas son muy aburridas, la razón es porque no le estás dando otro punto de vista o perspectiva. Por ello el último de los consejos para fotografiar paisajes es que pruebes con ángulos que no habías experimentado antes, entre otras cosas que requieren que desates tu creatividad.

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